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Thread: Musica Popular Chilena

  1. #26
    EldíaquenovinoSuperman dunkeleith2000's Avatar
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    He estado escuchando a Congreso y a los Blops. Congreso son muy buenos, pero los Blops son fuera de serie, dentro de los grupos de rock que trajiste casi podría decir que mejores que los Jaivas, aunque es difícil decidir.

    Historia triste la suya, pero el malditismo suele ser la mella en los grupos tan buenos.
    One-percenter.

    http://www.rpg-7.com

  2. #27

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    Quote Originally Posted by Atila View Post
    Buena parte de este éxito se debió a "Alturas", un tema instrumental compuesto por Horacio Salinas que llegó a los primeros lugares de los rankings italianos e incluso fue la cortina de un programa radial de mucha audiencia: "L'Altro suono".
    No puedo dejar de agradecer este post y en especial todo lo de este grupo, ésta canción forma parte de uno de los recuerdos más hermosos de mi familia.

    Con algo más de tiempo escucharé a los demás, por lo pronto bajaré los de este grupo. Gracias, muchas gracias por compartirlos, Atila, un regalo enorme para mi papá, le van a encantar.

  3. #28

    Default CONGREGACION

    Congregacion



    El más contemplativo de los grupos jóvenes que aparecieron a comienzos de los ’70, afines a Los Jaivas o los Blops, fue Congregación. En tres años de vida, liderados por el cantante Antonio Smith, grabaron en su único disco, Congregación viene... (1972), canciones con instrumentos acústicos y letras trascendentales, alusivas a inquietudes políticas, filosóficas y religiosas con títulos como "Estrecha a tu hermano" o "Ama la muerte, hermano". El grupo, que grabó para el sello IRT, se disolvió tras el golpe de Estado de 1973 y Antonio Smith partió a Argentina, donde vive desde entonces y ha publicado discos bajos los nombres de Awankana y Senchi (biografía en preparación).

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    Un par de canciones:

    Arrebol
    Sintesis De La Existencia

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    Congregacion Viene... (1972)

    Last edited by Atila; 16-10-08 at 12:25 AM.

  4. #29

    Default ILLAPU

    Illapu



    El grupo más popular de Chile en los años '90 fue Illapu, pero vino a cosechar entonces un trabajo desarrollado desde pleno auge de la Nueva Canción Chilena, y obligado luego a llegar al país desde el exilio.

    El conjunto surgió como un sexteto de música andina, pero fue ampliando con los años su estilo musical, incorporando bajo eléctrico y hasta batería. Casi treinta años de vida, más de una veintena de músicos que han sido parte de sus filas (donde hoy queda sólo un miembro original), siete años de exilio y una preocupación consciente por las temáticas cotidianas son algunos episodios de su larga historia.

    Antofagasta-Santiago



    Los hermanos José Miguel, Roberto y Andrés Márquez, se unieron hacia 1970 con Raúl Mavrakis, Fernando Sepúlveda y Luis Alberto Pato Valdivia. Tomaron su nombre de un vocablo quéchua ('illapa'). Debutaron como conjunto en festivales de Antofagasta y Calama, y decidieron viajar a Santiago en 1972 para grabar su primer disco. Su sonido andino los emparentó de inmediato con grupos entonces en auge, como Quilapayún e Inti-Illimani, convirtiéndolos en comparación en un conjunto con las caras más jóvenes de la Nueva Canción Chilena.

    Acogidos en el centro de ese movimiento, Illapu logró que su debut fuese editado por Dicap. Illapu, música andina (1972) contenía principalmente música instrumental, de acuerdo a un sonido andino puro. El hecho de hacerse a un lado de la canción consciente, fue en parte importante lo que los salvaría de la brutal represión desatada tras el golpe militar contra los músicos de izquierda.

    De todas formas, la llegada de los militares dejó al grupo sin escenarios, lo cual los obligó a regresar a Antofagasta. Volverían recién dos años más tarde, y a instancias de Arena, el sello de Camilo Fernández. Con él grabaron Illapu (1975, retitulado luego como Chungará) y Despedida del pueblo (1976). Este último álbum abrió los ritmos y la instrumentación de Illapu, y contenía el famoso "Candombe para José", un tema del argentino Roberto Ternán que la banda había recogido en un viaje a ese país, y que sorpresivamente se convirtió en todo un éxito radiofónico a este lado de la cordillera.

    A pesar de la desconfianza de los militares hacia el sonido andino, Illapu vivió con esa canción su primer hito de popularidad, incluso con apariciones televisivas y conciertos masivos, cuando en Chile aún regía el toque de queda. Desde 1977, el grupo grabó una serie de discos inspirados en su investigación del folclor andino, en los cuales exploraron también en manifestaciones como la danza, el relato y las imágenes. Durante todo este proceso, se fue institucionalizando el liderazgo artístico de Roberto Márquez, quien terminó como director general del grupo. El músico impulsó la incorporación de estos nuevos elementos a sus conciertos, los cuales, sumados a la alegre rítmica de algunas canciones, consolidaron el arrastre popular del conjunto.

    Raza brava (1977), Canto vivo (1978) y El grito de la raza (un trabajo conceptual en torno a la historia de América del Sur que no fue editado en Chile sino hasta el 2001), fueron grabados entre sus primeros viajes a Europa, continente en el que encontraron mayores posibilidades de desarrollo. Allá se radicaron a partir de 1980, pero su participación en actividades de solidaridad con la situación chilena les valió la prohibición de volver a entrar a su país. Invitados por "Chilenazo", del canal de la Universidad de Chile, los músicos fueron impedidos de descender del avión, iniciando así oficialmente un exilio que se prolongaría hasta 1988.

    El exilio y el masivo retorno



    Hasta 1986 Illapu mantuvo su residencia en París, y se concentró allí en ampliar su soporte andino, explorando al mismo tiempo temáticas sociales y letras más complejas. Los discos De libertad y amor (1984) y Para seguir viviendo (1986) —en el que se incluyó una canción a Rodrigo Rojas Denegri, el fotógrafo quemado por una patrulla militar en julio de 1986— los llevaron a recorrer escenarios de todo el mundo, incluidos lugares de la envergadura del Carnegie Hall, de Nueva York, y el Teatro Olympia, de París. Poemas de Pabo Neruda y Roque Dalton, y letras de Osvaldo Torres y José Miguel Márquez marcaron esta nueva etapa.

    El grupo se mudó a México en 1986, donde vivieron una crisis interna que los tuvo en serio riesgo de disolverse. De hecho, sólo Eric Maluenda, y los hermanos Andrés y Roberto Márquez permanecieron en la banda. En sus dos años en el D.F., el grupo editó apenas un álbum instrumental.

    Cuando el regreso a Chile se hizo inminente, se terminó de consolidar una nueva formación, con Raúl Acevedo y Carlos Elgueta. Fueron ellos el rostro del Illapu que en 1988 retornó al país. Su concierto de bienvenida en el parque La Bandera congregó 60 mil personas (quedó registrado en disco). El grupo se ocupó a partir de entonces de un modo activo en la campaña del NO a Pinochet.

    Vuelvo amor... vuelvo vida (1991) fue su primer disco de estudio tras el regreso, y en él el grupo desarrolló una cuidada evaluación sobre su música y sobre la naciente democracia chilena. El álbum contenía reflexiones sobre lo cotidiano, pero también un homenaje a Nelson Mandela ("Mande, Mandela") y una estremecedora alusión al tema de los detenidos-desaparecidos ("Tres versos para una historia"). La acogida fue masiva, y les permitió recuperar la popularidad que habían dejado pendiente en los años '70, cuando cantaban un "Candombe para José" que todavía era recordado con afecto por los chilenos.

    Illapu había cambiado también en imagen. Ya no se presentaban con los uniformes andinos de sus inicios, y no era raro verlos junto a un bajo eléctrico o un saxo. Esta orientación hacia lo popular se reforzó en su siguiente disco, En estos días (1993), que llegó a ser el álbum de larga duración más vendido en la historia de Chile, con 175 mil copias despachadas sólo ese año (el grupo mantuvo el récord por diez años, hasta que los superó María José Quintanilla con su México lindo y querido). Fue un fenómeno que, aunque esperado, sin duda que sorprendió también al grupo.

    De ese disco, la canción "Lejos del amor" (en la que se describía con un ritmo agitado nada más ni nada menos que un día en el capitalino Parque Forestal) se convirtió en un clásico. Illapu era sin dudas un grupo masivo, que al año siguiente se permitió incluso emular a los Beatles cuando grabó sobre un techo del centro de Santiago el video para "Un poco de mi vida", un tema que hacía alusión a la cesantía juvenil. Tal como les sucedió a los ingleses cuando en 1966 cantaron sobre el edificio de la Apple, en Londres, los chilenos vieron cómo se alteraba el tráfico a su alrededor, y el clip reproduce los saludos, los bailes y la agitación de la policía en torno suyo.

    EMI pasó a considerar a Illapu como un artista prioritario. El grupo realizó una exitosa gira nacional y publicó en 1995 el disco Multitudes, en el que se continuaba con su reflexión contingente, con canciones sobre asuntos como el sida ("Sincero positivo") y la apatía ciudadana ante la nueva democracia ("¿Qué nos está pasando?"). La respuesta fue menor que antes, pero igual alcanzó para vender sobre las 75 mil copias, en medio de nuevas giras y de la reafirmación de su arrastre en los sectores populares.

    De Chile a México



    El año 1997 trajo algunas dificultades para Illapu. Se retiró Andrés Márquez (para ser candidato a diputado), el percusionista Eric Maluenda sufrió graves problemas cardíacos, y el letrista Pato Valdivia decidió terminar la relación iniciada con el grupo en 1991. Todo eso retrasó la salida del nuevo álbum, Morena esperanza (lanzado en junio de 1998), en el que las canciones incorporaron teclados y batería, aunque explorando en temáticas referidas al pasado. Había ahí candombé, tributos a Neruda y Allende, y un saludo al pueblo mapuche.

    La nueva crisis del grupo, fue superada con un intenso ritmo de presentaciones, dentro y fuera de Chile, y con la edición de un compilado en el que participaron como invitados el argentino Víctor Heredia y el cubano Pablo Milanés. Era una muestra de hermandad de parte del conjunto, siempre abierto a otras expresiones del canto latinoamericano.

    El 2002, y tras presentarse en el Festival de Viña del Mar por sexta vez en su historia, lanzaron Illapu, un álbum que renovó su compromiso con la realidad chilena (el primer sencillo fue "Ojos de niño", referido al abandono de los padres al criar a sus hijos), y que los mantuvo en el ritmo de presentaciones habitual. El año siguiente trajo una sopresa: la banda resolvió mudarse a Ciudad de México. Esto llevó a renunciar al histórico percusionista Eric Maluenda, quien se incorporaría poco después a Arak-Pacha.

    Con Vladimir Silva en reemplazo de Maluenda, el grupo dio sus últimos conciertos en Chile, asegurando en entrevistas que no abandonaría al público local. La nueva etapa, sin embargo, trajo costos. Luis Enrique Galdames y Cristián Márquez (ambos formaron luego el grupo Zinatel) regresaron a Chile en medio de públicas acusaciones contra Roberto Márquez que el propio músico se encargó de responder en visitas a Chile. Se fueron incorporando nuevos músicos, como Raúl Acevedo, que había estado en una promera etapa de Illapu hasta 1992, y el brasileño Sydney Silva, baterista del conjunto desde el disco Illapu (2001).

    Pero las cosas no fueron más fáciles en el 2005. Murieron los ex integrantes Eric Maluenda y Patricio Valdivia; y Roberto Márquez decidió regresar a vivir a Chile, a la luz de una experiencia mexicana que había resultado "intensa" (en sus palabras) pero sin los resultados esperados. Illapu volvió a Santiago poco después del lanzamiento de Illapu 33, un DVD con imágenes históricas, que además incluyó un disco con registros en vivo de los años 2004 y 2005.

    Una gira por Chile y la participación en el Festival de Viña 2006 fueron su carta de reencuentro de Illapu con Chile, que no se solidificó con material nuevo sino hasta fines de ese año, cuando presentaron Vivir es mucho más. Para la grabación de ese álbum (inspirado, según ellos, en las recientes protestas de los estudiantes secundarios) debieron recontactar a antiguos miembros, como José Miguel y Andrés Márquez, y Osvaldo Torres.

    Jorge Leiva



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    Unas canciones de su discografia, para captar la onda:

    Amigo
    Las Obreras
    Candombe para José
    Linda Imillita
    Para Seguir Viviendo
    Cuarto Reino, Cuarto Reich
    Vuelvo para Vivir

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    DISCOGRAFIA (parcial)

    1972 Música Andina



    1975 Chungará



    1976 Despedida del Pueblo



    1978 Canto Vivo



    1978 Raza Brava



    1981 El Canto de Illapu



    1982 Y es Nuestra



    1984 De Libertad y Amor



    1986 Para Seguir Viviendo



    1988 Divagaciones

    Last edited by Atila; 16-10-08 at 11:16 PM.

  5. #30

    Default Trauma Nacional

    Quote Originally Posted by dunkeleith2000 View Post
    He estado escuchando a Congreso y a los Blops. Congreso son muy buenos, pero los Blops son fuera de serie, dentro de los grupos de rock que trajiste casi podría decir que mejores que los Jaivas, aunque es difícil decidir.

    Historia triste la suya, pero el malditismo suele ser la mella en los grupos tan buenos.
    Blops, Congregacion, Jaivas, Aguaturbia fueron nuestra psicodelia nacional, nuestro verano del amor meridional, cuando las minis eran realmente minis y las chascas realmente eran chascas (un familiar lejano mio fue integrante de Aguaturbia)... Pero que acabo no porque pasara de moda como en Inglaterra, o porque los Stones lo mataran en Altamont (EEUU). Aca en Chile fue a lo grande, con un bombardeo aereo y 24 horas de ejecuciones masivas.

    Tras el 73, la contracultura murio en Chile - el asesinato de Victor Jara dejo muy claro que la cosa iba mortalmente en serio. Se intento resucitarla, en Chile o en el exterior... Pero segundas partes nunca son buenas, sobre todo cuando el momento paso definitivamente.

    Es un trauma nacional que llevamos todos los que pasamos los 40s.

  6. #31

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    Quote Originally Posted by Ygraine View Post
    No puedo dejar de agradecer este post y en especial todo lo de este grupo, ésta canción forma parte de uno de los recuerdos más hermosos de mi familia.

    Con algo más de tiempo escucharé a los demás, por lo pronto bajaré los de este grupo. Gracias, muchas gracias por compartirlos, Atila, un regalo enorme para mi papá, le van a encantar.
    Bajen sin temor todo... En su mayoria es musica que ha sido misteriosa y lamentablemente descontinuada por las grandes disqueras (teniendo en cuenta que la mayoria de los masters fueron destruidos en 1973), o que solo han tenido una miserable distribucion y pesimo marketing a nivel local... Si lo comparamos con el gigantesco marketing y distribucion que tienen paquetes* que ni cantan ni componen.

    Realmente no pierde el artista (aunque la RIAA insista que si)... Al contrario, creo que gana, al tener su material discografico difusion gratuita por diferentes paises, lo que hace que mas gente se interese por su material oficial... El cual obviamente tiene un mejor sonido y mucha menor compresion.

    Mas encima, yo no gano nada, salvo divertirme recordando cuando tenia los vinilos originales, o las voladas que me pegue con ellos, o a quien se los vendi, o a quien se los regale, o quien se quedo con ellos, o como los perdi, o como olvide que paso con ellos.





    *paquetes: coloquial chileno para productos de mala calidad, torrejas, fraudulentos, chafas, chantas, al cuete, pencas, mataos, charchas, m.i.c. (madeinchina), etc.

  7. #32

    Default Algunos rezagados antes que nos agarre el Golpe...

    Amerindios



    Formado por los profesores universitarios julio Numhauser y Mario Salazar, Amerindios se inicia en 1969 en un taller de folklore que Numhauser y Salazar impartían en la Facultad de Medicina. Entonces participa en el grupo Ernesto Parra, quién después forma parte de los Curacas.

    En 1970, ya como dúo, se vincula al teatro Aleph, en torno a la creación colectiva "Vivo in mundo de fantasía", que fue premiada por la crítica en 1970. Ese año integran el "Tren de la Cultura", que recorrió todo Chile llevando arte a los lugares más apartados del país. En esa línea, junto al grupo de teatro Aleph, Amerindios dirigió una peña-taller "de poesía tangible" que funciona en la Agrupación juvenil de Santa Rosa y Matta.

    En una de las etapas del conjunto, en 1971, también integra Amerindios Patricio Castillo, egresado de filosofía y músico itinerante que ha integrado esporádicamente Quilapayún.

    Por su parte, Julio Numhauser es fundador de Quilapayún y Mario Salazar, jazzista. Antropólogo y sociólogo, respectivamente, buscan la innovación de la canción chilena; así, incorporan instrumentos electrónicos a la interpretación de ritmos folklóricos como sucede con su "Cueca beat". También tienen una especial presencia escénica. "Cuando se manifiestan se rompe la solemnidad -escriben Armand y Michelle Mattelart, teóricos de las comunicaciones-. El escenario está a punto de morir como distancia. Lo que hacen, como lo hacen, su manera de cantar y de entregar al mundo no parece ser excepcional, inaudito, y resulta excepcional e inaudito porque rompen con las reglas usuales, sin buscar en esta agresión una fuente de éxito, sin darle algún valor espectacular."

    La mayoría de sus grabaciones han sido compuestas por el dúo. Mirando hacia afuera y hacia adentro, a los vietnamitas y a Juan verdejo. En general son temas irónicos y alegres, antiimperialistas y de gran sensibilidad ante la pobreza. Según su propia definición, "los Amerindios cantan sus propias canciones, nacidas de sus vivencias, compartidas con trabajadores y estudiantes motivados por la creación libre y vital; reflejo de una realidad, la realidad de Chile, de América y del tercer Mundo."

    Como autores e intérpretes participan en la banda musical de algunas películas documentales y cortometrajes; entre ellas, la coproducción chileno-estadounidense "Qué hacer"; "El Diálogo de América", de Alvaro Covacevich, con Salvador Allende Y Fidel Castro; y "El gran desafío", con los discursos del Presidente Allende en las Naciones Unidas y México. Además, trabajan en la preparación del Canto al Programa que graba Inti Illimani, hacen la música de continuidad del Canal de TV de Valparaíso y el jingle de la revista Onda: "Hoy es el primer día del resto de tu vida". Durante el gobierno de la Unidad Popular, Numhauser asume la dirección artística del sello IRT (ex RCA). En el Tercer Festival de la Nueva Canción Chilena participa en el jurado seleccionador, en representación del Departamento de Cultura de la Presidencia de la República. Como autor, gana el Festival de Viña del Mar de 1973 con el tema "Mi río", interpretado por Charo Cofré.

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    Un par de temas de Amerindios:

    A pie camino
    Los colihues

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    DISCOGRAFIA:

    Amerindios (1970)



    Tu sueño es mi sueño, tu grito es mi canto (1973)



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    Los Curacas



    Uno de los conjuntos que más hizo por la divulgación de la música altiplánica en el marco de la Nueva Canción Chilena fueron Los Curacas. Nacidos como Los de la Peña para apoyar las presentaciones en vivo de Ángel Parra, el conjunto creció en una discografía propia de profundo valor para el conocimiento masivo de la raíz sonora nortina. El grueso de su repertorio lo constituían canciones tradicionales, además de versiones de autores como Violeta Parra.

    Desde su último disco, en 1977, el grupo ha tenido reuniones esporádicas con algunos integrantes fundadores, y vive una suerte de nueva etapa desde que en 2007 ordenaran una nueva agenda de presentaciones así como la grabación de un nuevo álbum.

    Antigua y nueva etapa

    El uruguayo Alberto Zapicán fue el último colaborador que tuvo en vida Violeta Parra. Trabajador suyo en la mítica Carpa de La Reina, el músico figura como intérprete de bombo y segunda voz del último disco de la cantautora, Las últimas composiciones (1966). En sus andanzas conjuntas por La Peña de los Parra, Zapicán conoció a los músicos con los que fundaría la primera formación de Curacas: los hermanos Carlos y Mario Necochea, Pedro Aceituno y Ricardo Yocelevsky. No todos ellos contaban con experiencia musical formal, pero era innegable su entusiasmo por lo que entonces comenzaba a despertar como el movimiento de Nueva Canción Chilena.

    Bajo el nombre Los de la Peña actuaron como conjunto de apoyo de las presentaciones de Ángel Parra, quien encontró en el grupo su soñado apoyo «instrumental de música andina, con quenas, charangos, bombos, cajas, zampoñas, etc.» y accedió convertirse en su director artístico. Más tarde, como Los Curacas grabaron tres álbumes editados en corto tiempo por el sello Peña de los Parra: Norte (1970), Curacas (1971) e Instrumental andino (1972). En 1970 habían acompañado a Kiko Álvarez en la defensa en vivo del tema “La patria” en el Festival de Viña del Mar (quedaron con el segundo lugar).



    Pero el golpe militar de 1973 desmembró temporalmente al conjunto, al que sólo regresarían más tarde Pedro Aceituno y Carlos Necochea junto a nuevos integrantes (grabaron dos discos más en 1975 y 1977).

    El grupo se mantuvo separado por más de dos décadas, y recién luego del año 2000 se reactivó de modo fugaz para esporádicas presentaciones en vivo. Pero no puede hablarse de reunión propiamente tal sino hasta que retornó al conjunto uno de sus fundadores, Pedro Aceituno. Con él a bordo, Los Curacas aseguran «retomar la senda del canto andino en forma definitiva», y en el año 2007 confirman su apuesta con la publicación de un nuevo álbum, Seguimos cantando…!.

    Marisol García

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    Un par de temas de Los Curacas:

    Tirana
    Chunchos de Pedro de Valdivia

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    DISCOGRAFIA (incompleta):

    Norte (1969)



    Curacas (1971)



    Instrumental Andino (1972)



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    Dúo Coirón



    El destacado folclorista Valericio Leppe (1937–2004) fue el principal impulsor de este proyecto de canción campesina, parcialmente inscrito dentro del movimiento de Nueva Canción Chilena. La agrupación fue integrando diferentes integrantes a partir de sus inicios, en 1968, si bien fue siempre Leppe la cara más representativa de su espíritu.

    Nativo de una localidad llamada Pencahue, cercana a Talca, Leppe había comenzado en la música en asociación con los hermanos Eduardo y Gastón Guzmán, con quienes formó hacia 1960 el conjunto Voces del Quelentaro (luego, Quelentaro). Todos ellos eran entonces empleados de la Central Hidroeléctrica Endesa de Rapel, y proyectaron su trabajo musical como una extensión de sus inquietudes de hombres de campo trasplantados a un ambiente ajeno. Junto a Quelentaro, Leppe trabajó un total de dos álbumes (también fue parte de las grabaciones del conjunto para La carpa de la reina, el disco de Violeta Parra) y destacó por composiciones suyas como "El letrao".

    A su salida del grupo, en 1968, Leppe se ocupó de inmediato en el Dúo Coirón, para el cual reclutó a Pedro Yáñez (n. 1946), un muy joven cantautor de Campanario (Ñuble) a quien había conocido en una peña del centro de Santiago. Pese a su corta edad, para entonces Yáñez ya acumulaba experiencia con los grupos Inti-Illimani y Los Afuerinos. Según Leppe, "Coirón se formó no para entretener a la gente, sino para hacerla pensar, hacerla sentirse seres vivientes contribuyentes de elementos que dan razón de existir". Tras esta afirmación se mantenía su compromiso con llevar a la urbe y los círculos protagónicos de la creación popular las inquietudes del mundo campesino. Los colores rojo y negro de sus ponchos los distinguieron en todas sus actuaciones.

    Leppe mantuvo al grupo con diferentes compañeros de canto. Muchas veces, buscaba a algún guitarrista en el lugar al que iba a presentarse. Por eso debe verse al conjunto como un proyecto de formaciones diversas y dinámicas. De modo estable, deben contarse, además de Pedro Yáñez (quien luego mantendría una destacada carrera solista) a los guitarristas Eladio López (ex Quelentaro) y el joven guitarrista clásico y iniciado etnomusicólogo Fernando Carrasco.

    Exilio en Europa

    El golpe de Estado sorprendió a Leppe como trabajador de la Empresa Nacional de Distribución de Combustible. Debió salir al exilio, y se estableció de inmediato en Filandia, donde extendió su residencia por 23 años. Allí realizó diversas labores vinculadas a la solidaridad con otros chilenos desterrados, aunque se mantuvo como compositor e intérprete. Se tituló como antropólogo de la Universidad de Helsinki, y se ocupó varios años como profesor de esa institución.

    Entre tanto, en Santiago, Fernando Carrasco se mantuvo activo en diversos agrupaciones de raíz folclórica y en sus estudios universitarios de Música. Fue miembro fundador del grupo Barroco Andino, y fundador y director de los conjuntos Cruz del Sur y Aranto.

    A su regreso al país, en 1996, Valericio Leppe se estableció en Talca. Al poco tiempo decidió reestablecer el dúo, y llamó para ello a Carrasco. Juntos publicaron el álbum Más allá de las palabras (2002), que era la regrabación de un disco (Leyendas de la cocina) que ambos tenían listo y que nunca llegó a editarse por culpa del Golpe. Al año siguiente, Leppe publicó el libro de poemas Greda vida, en donde incluyó un CD con cantores populares de Pencahue identificados como Semillas Del Coirón.

    Para entonces su salud ya estaba gravemente afectada, y el músico falleció menos de dos años más tarde, el 20 de abril de 2004, en Talca, la tierra que ocupó tantos de sus versos.

    Marisol García

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    Unas canciones del Duo Coiron:

    Esta es mi calle
    Carta para un analfabeto

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    DISCOGRAFIA (incompleta):

    Tamarugo y hierba buena (1971)



    Chúcaro y manso (1971)



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    Huamari



    La voz indígena Huamarí significa joven, y el grupo que tomó este nombre en 1969 comenzó como un trío de jóvenes iniciado en la época de esplendor de la Nueva Canción Chilena. En 1972 su formación definitiva quedó integrada por cinco estudiantes, fieles exponente de la raigambre universitaria del movimiento: Marcelo Castillo, de diseño teatral; Marcelo Coulon, de ingeniería química, Adrián Otárola, de arquitectura; Manuel Sepúlveda, de tecnología en sonido; Fernando Carrasco, de pedagogía en música, y Luis Vera, de teatro.

    Con ese elenco Huamarí grabó su obra más importante: el Oratorio para los trabajadores, disco con letras de Julio Rojas, el autor del LP Canto al programa, de Inti-Illimani, y con música de un joven Jaime Soto León, futuro director del conjunto Barroco Andino. En el relato participa el locutor Miguel Davagnino y a las voces masculinas de Huamarí se suma una integrante de Cantamaranto. Publicado por el sello Dicap, el oratorio es un reportaje musical sobre la historia del movimiento obrero chileno desde principios de siglo hasta 1970, compuesto a pedido por la Central Única de Trabajadores, y en su realización participó en una etapa de trabajo colectivo el departamento juvenil de la organización sindical.

    Huamarí editó además el LP Chile y América, distribuido por el sello Peña de los Parra, emprendió una gira con la compañía de la peña Chile Ríe y Canta, fue parte junto a Cantamaranto del disco La población (1972), de Víctor Jara, y grabó la "Canción con todos", himno latinoamericano compuesto por César Isella y Tejada Gómez, según consta en el libro Rostros y rastros de un canto (1997), de Antonio Larrea y Jorge Montealegre. Integrantes del conjunto se sumaron más tarde a otros grupos: Marcelo Coulon es parte de Inti-Illimani hasta nuestros días y Fernando Huaso Carrasco se unió a la primera formación de Barroco Andino y hoy dirige el grupo Aranto (biografía en preparación).

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    Algunas canciones de Huamari:

    El primero de mayo (chapecao)
    Palabra de campesino
    La Toma (16 Marzo 1967) junto a Victor Jara y Cantamaranto

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    DISCOGRAFIA:

    Chile y América (1971)



    Oratorio de los trabajadores (1972)



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    Grupo Lonqui



    El Grupo Lonqui, uno de los conjuntos germinados al alero de la Nueva Canción Chilena a fines de los años '60, nace en 1969 como una derivación del grupo de canto y bailes folclóricos Lonquimay, iniciado en 1961. Como aquel, las distintas etapas del grupo tienen como base la pareja formada por los músicos Richard Rojas y Ester González, junto a sucesivos integrantes y siempre bajo la dirección de Rojas.

    Más de una década llevaba Richard Rojas dedicado como autor a la raíz folclórica cuando en 1969 su canción "La chilenera" ganó el primer Festival de la Nueva Canción Chilena junto a "Plegaria a un labrador", de Víctor Jara. Con ritmo de sirilla, "La chilenera" fue además la primera canción grabada por el Trío Lonqui en un disco sencillo para el sello Jota Jota, y figura además en el primer LP del grupo, Trío Lonqui (1970).

    Iniciado por Rojas y Ester González junto al músico Rubén Cortez, el conjunto recibió en 1971 a Angélica Capra, Araminta Donoso y Tito Ibarra, y con la partida de Cortez se transformó en el Grupo Lonqui. Con esa formación grabó el disco Las cuarenta medidas, alusivo al programa de gobierno de la Unidad Popular. Según consta en el libro Rostros y rastros de un canto (1997), de Antonio Larrea y Jorge Montealegre, el disco fue definido por el director de cultura de la Presidencia, Waldo Arias, como "un admirable abanico de ritmos populares que se reiteran como portadores de los problemas que hoy conmocionan a las masas, es decir, se trata de la canción que es herramienta de educación y combate".

    En 1973, afectado por la muerte de Rolando Alarcón, el grupo grabó una "Canción para Rolando". Ese año el grupo estaba integrado por Ester González, Richard Rojas, Sergio Pérez y Roberto Fontac y trabajaba en el montaje de una obra de largo aliento: un proyecto se basa en un cuento del hermano de Richard Rojas, Elizaldo Rojas, con canciones del propio Richard. Con narración de Adriana Borghero y Marcelo Fortín y orquestación de Francisco Navarro, la obra se llama El bergantín de los sueños y quedó inconclusa por el golpe militar de 1973. Casi treinta años más tarde recién pudo ser editada, esta vez bajo el título de El bergantín de ensueño (2002), cuando el ya maduro trío reapareció bajo el nombre de Los Tíos del Lonqui. En el intertanto, el disco Recuento (2003), publicado por el sello Leutún, fue una recopilación de grabaciones del conjunto entre 1974 y 1986.

    (biografía en preparación)

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    Un par de canciones del Grupo Lonqui:

    La Chilenera
    Canto nuevo

    ------------------------------------------------

    DISCOGRAFIA:

    Trio Lonqui (1970)



    40 Medidas Cantadas (1971)


  8. #33
    EldíaquenovinoSuperman dunkeleith2000's Avatar
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    Estos días me he parado con los discos de Victor Jara, muy bueno.

    Otro que también me ha gustado mucho ha sido Pedro Messone, tal vez por ser distinto a todos los demás. Será por la falta de politización, que en el fondo la tiene pero no de la misma manera.

    De Congregación y de la historia de la psicodelia chilena meramente me quedo sin palabras.

    La nueva canción chilena tuvo tiempo de sobras para desarrollarse, y también medios, y en cierta manera se buscaron los problemas. Pero lo de la psicodelia fué una tremenda putada, cortada casi nada mas nacer y navegando contra corriente. Contra la derecha y contra la izquierda.

    Los discos que dejaron tienen mucho mas valor que los otros, no por el gusto cosmopolita que pudiera hacer que prefiera la psicodelia al folk sino por haber acabado antes de tiempo y haber dejado un listón tan alto.
    One-percenter.

    http://www.rpg-7.com

  9. #34

    Default EL FIN DE UNA EPOCA

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  10. #35

    Default Nuestro año cero

    A partir del 12 de septiembre de 1973 - lo que logro rescatar de mi memoria, durante mi lejana niñez - cambiaron drasticamente muchas cosas.

    Numero Uno: primera vez en mi vida que he estado en una guerra, con el espeluznante aullido de los vuelos rasantes, los misilazos ensordecedores, cañonazos de tanques, retumbar siniestro de vidrios, tableteo de fuego automatico, roncos bazookazos, alaridos de terror (nunca supe si de victimas en su agonia o espantados testigos en los edificios colindantes), insultos tremendos de grueso calibre, mas la sangre con moscas en el pavimento, cadaveres hinchados y verdes en el Mapocho y las fachadas carcomidas por rafagas y explosiones.

    Hasta hoy mi vieja se crispa entera cuando siente un jet volando muy bajo, en una base aerea cercana, aca en California.

    En el plano familiar, brevemente... Fractura total, antipodas totales. Junto al borroso recuerdo de rostros desaparecidos y/o en el exterior, se mezclan imagenes de fiesta y destapadas de champagne; la paradoja de las caras de funeral de uno que otro tio, intercaladas con las caras de felicidad absoluta de mis abuelos. Los rostros de mis viejos traslucian espanto, preocupacion, molestia, alivio, tristeza... Pero sobre todo recuerdo mucho el miedo, el miedo a la violencia y a las historias que se contaban en voz baja, en la complicidad de la alcoba o tras la cena, durante las largas horas de toque de queda, intercaladas con lejanos disparos acentuando el silencio sepulcral de la noche santiaguina. Historias sobre amigos cercanos, vecinos, conocidos, colegas laborales, ex-compañeros de estudio que desaparecian y que volvian a aparecer, ya no como eran antes... Y otros de los que nunca mas se supo.

    Y vimos como mucha gente a la que se queria y respetaba, de la noche a la mañana se transformaron en los mas vergonzosos delatores y avivadores de la venganza, la bronca y el odio, echando al agua a "upelientos" por una deuda misera, o por una ofensa casi olvidada, o por una rencilla domestica, o simplemente por quedar bien con el nuevo poder.

    En segundo lugar, surgio otra mutacion mas tangible en Chile:

    En el plano estetico, desaparecieron como por arte de magia las melenas, las barbas y los ponchos (asociados a la ultraizquierda y al hippismo, que en la mentalidad castrense, eran lo mismo), por lo tanto mis blondos rizos y mi poncho azul marino con grecas grises se hicieron humo (barba ni soñaba aun con tener). Recuerdo que mi amado poncho sirvio de cubrepies de cama invernal durante mas de 10 años. Ni para ir al campo, a la parcela de mis abuelos, podia usarlo.

    En el plano cultural, el cambio fue rotundo; la musica popular chilena - como la habiamos conocido hasta el dia 11 - desaparecio para siempre del dial, excepto - obviamente - por los Quincheros, los Cuatro Cuartos, Pedro Messone y uno que otro folklorista o popero absolutamente inocuo. La desaparicion casi total de la musica popular chilena fue el inicio de la toma por asalto de la musica popular europea y norteamericana de las ondas radiofonicas chilenas.

    No se si otro chileno compartira esta opinion conmigo, pero la influencia del rock, pop y dance norteamericano y europeo es - en Chile - donde mas esta acentuada hasta el dia de hoy. Chile es un pais de rock, electronica y pop, no de folklore. No existe musica regional ni programas radiales con 24 horas de musica popular chilena. Incluso en las ondas radiales rurales, empezo a imperar sin rival la cumbia y el corrido. La onda radial AM urbana se lleno de tango y milonga. Y el folklore chileno solo aparecia para el 18 de septiembre (el mes de la patria).

    Un mocoso - hoy - se sabe de memoria la discografia de Led Zeppelin, o te nombra de corrido a todos los integrantes de Korn, o sabe exactamente cuando viene nuevamente Nine Inch Nails a Sudamerica; pero queda en blanco cuando le preguntas de los Blops, Congregacion o Quilapayun... De Victor Jara solo conoce el eterno rostro congelado en muros urbanos o porque una cancion de los Fabulosos Cadillacs lo menciona fugazmente.

    Fue la epoca en que todo el pop de España, Italia, Brasil y Argentina comenzo a llegar con mas fuerza al pais, sin necesidad de competir mas; sumado al rock y dance de los 70s provenientes de EEUU e Inglaterra. Recuerdo mucho que lo que mas sonaba era Camilo Sesto, Raphael y sobre todo el numero UNO en Chile, Nino Bravo, cuya cancion "Libre" se transformo en el himno no-oficial de la Junta Militar y del 11 de septiembre.

    Todos los discos de la DICAP (juntos con los libros de la editorial Quimantu) desaparecieron rapidamente de mi casa, quedandose solo y huerfano, Tito Fernandez "El Temucano" (el menos politico de los cantautores) y los infaltables Quincheros, Pedro Messone y Cuatro Cuartos; el resto eran vinilos de la crema y nata del exterior: el idolo adoptado chileno Nino Bravo, Creedence, Raphael, Serrat, Camilo Sesto, Beatles, Palito Ortega, Sandro, Roberto Carlos y uno de los vinilos de culto en Chile: "San Remo 72 en español".

    Esta situacion se prolongo durante largo tiempo.

    Creo que esta corta reseña explicara la pausa inexplicable que va desde los inicios de los 70s, como un blanco inmenso y vacio, solo interrumpido con un timido renacer a mediados de los 80s y el florecer final de los 90s.

    La discografia sera exigua, escualida... Creo que se entendera.
    Last edited by Atila; 01-11-08 at 03:57 AM.

  11. #36

    Default Sobrevivientes del vendaval (Rock al interior de Chile)

    Tumulto



    No son pocos los que consideran a Tumulto como la banda patriarcal del rock clásico chileno, pese a que sus integrantes se mantuvieron viviendo siempre en los márgenes del circuito comercial; en parte, por opción propia. Tumulto suscribió una filosofía más bien hippie, poco amiga de demasiadas transacciones por demandas del éxito. Su apego al rock y el esfuerzo que implicó ser fiel a esas ideas fueron quizás sus únicas brújulas durante las tres décadas que duró su trabajo conjunto.

    Rock y fusión

    El bajista Alfonso Poncho Vergara fue desde los inicios el eje del proyecto, y el único músico que permaneció en todas sus épocas de desarrollo y formaciones. Tras un debut con el grupo Percival y Los Ensambles del Rock, Vergara se unió en 1972 al guitarrista Sergio del Río (destacado veterano de Los Jockers) y al baterista Rodolfo Iribarra para grabar un primer disco, un álbum homónimo publicado en 1973 por EMI-Odeón. Era un trabajo con base en el rock pesado, pero muy abierto a la fusión de influencias latinoamericanas que por entonces imponía gente como Carlos Santana.

    El golpe de Estado interrumpió sus planes promocionales y el grupo entró en un receso de dos años. En 1975, Vergara decidió retomar el proyecto, aunque con otros músicos: un nuevo trío con el guitarrista Orlando Aranda y el baterista Nelson Olguín. Ante la tensión-ambiente impuesta por la censura dictatorial, la nueva versión de Tumulto optó por interpretar sólo covers en inglés. El temor y la desconfianza que generaba la posibilidad de componer e interpretar canciones en español superó el ánimo expresivo del conjunto. Así fue como el grupo desarrolló profundamente el tratamiento musical de su repertorio, con composiciones que presentaban cada vez más dureza de guitarras y base rítmica.

    En 1977, Tumulto participó de un importante festival en la Quinta Vergara de Viña del Mar, junto con los chilenos Congreso y Arena Movediza, y los argentinos Nito Mestre y Raúl Porchetto, entre otros. Por entonces, con el tecladista Jorge Soto y con la voz de Mario Millar al frente, surgió el mayor éxito de su carrera, "Rubia de los ojos celestes", editado como single por el sello EMI pero, curiosamente, desplazado de las programaciones radiales pese a su enorme seguimiento en vivo. Era ése el escenario desde donde Tumulto cultivaba una audiencia fiel y creciente.

    Las dificultades con su sello y con el atribulado ritmo de la cultura de esos años determinaron la separación momentánea del proyecto en 1980. Vergara y Olguín continuaron temporalmente en el rock incorporándose al progresivo grupo Sol y Medianoche. Pero el fin de Tumulto no sería definitivo y el grupo regresó en 1982, con Vergara, Aranda y el nuevo baterista Robinson Campos.

    Con energía, el grupo retomó sus actuaciones, que incluso los llevaron a tocar a Tacna, Perú. El sello Sonotec financió nuevas grabaciones de un extenso trabajo publicado en dos volúmenes y aparecido poco antes de que se incorporara el tecladista Jorge Fritz. El 1 de septiembre de 1994, la banda realizó una de sus actuaciones más importantes, cuando participó del encuentro de Slayer, Black Sabbath y Kiss en la Estación Mapocho de Santiago. Pese a la categoría de los invitados, la cita dejó a los chilenos con un sabor amargo por el mal sonido general del concierto.

    "No sonamos y todas las demás bandas, sí. ¿Por qué? No tengo idea. Nos dieron una porquería de camarín y un pequeño lugar en el escenario, con una amplificación absolutamente insuficiente. Así y todo salimos adelante porque éramos experimentados. Somos de la generación que tocaba en cualquier lado, todas las semanas, sin importar el toque de queda. Entre todos los contratiempos reconocimos en la marea de público a muchos fanáticos de Tumulto. Y contra lo que la gente cree, el público metalero se comportó de manera impecable", dijo más tarde el vocalista Danilo Sánchez.

    Tras el intento de una versión pop para "Rubia de los ojos celestes" y la sorpresiva muerte de Robinson Campos (en 1993, por una insuficiencia cardíaca), Tumulto superó las dificultades de la contingencia incorporando nuevos músicos a sus filas, como los guitarristas Luis Vergara y Mauricio Padilla, y el baterista Rudy Ferrada. La banda participó del festival "Monsters of Rock" en 1995, y en 2001 volvió a hacer noticia cuando un cáncer que afectó a Poncho Vergara motivó la organización de un "Tributo a la leyenda de Tumulto" en el Teatro Providencia. Grupos como Weichafe, Alejandro Silva Power Cuarteto, Inquisición, Stormbringer y el propio Tumulto (con Oliver Vergara, hijo de Poncho, en el bajo) testimoniaron el respeto hacia un grupo pionero en el rock duro chileno. Vergara falleció el 12 de enero de 2004, dejando el proyecto de Tumulto en puntos suspensivos.

    Marisol García

    -----------------------------------------------------------

    Un par de temas clasicos:

    En las sombras

    Rubia de los ojos celestes

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    DISCOGRAFIA (incompleta):

    Tumulto (1973)



    Tumulto (1982)



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    Panal



    Panal se formo en el laboratorio de los estudios de IRT bajo la pretension de constituir un grupo de rock Latino en la onda Santana, lo cual les llevo a grabar un aceptable album de clasicos de cancionero latinoamericano ("Paisajes de Catamarca". "El Humahuaqueno". `"Lamento Borincano" entre otras) con refrescantes y potentes arreglos rock en lo que constituye el ejemplo mas comercial y desideologizado de la fusion entre Rock Chileno y Nueva Cancion Chilena.(Fabio Salas - La primavera terrestre, pag 93)

    Con el regreso a Chile de Carlos Corales y Denisse y con Aguaturbia ya disuelto, se juntaron musicos de sesion provenientes de otros proyectos como Patricio Salazar y Francisco Aranda, los que bajo la batuta de Jose Ureta grabaron este unico disco en una convulsionada epoca de nuestro pais. Este registro estuvo en rockyjazzchile y se incluyo el single El hombre y la mar de J. Numhauser que grabo con parte de los integrantes de Panal en 1973.

    "...Este es el pariente pobre del rock Chileno y un grupo muy estigmatizado por algunos paralelos con la banda de Santana. Bajo esa perspectiva, la obra ha sido minimizada con otros conceptos como por ejemplo que “es un LP solo de covers”, comentario que he visto en algunas historias del rock Chileno. Me pregunto cuantos grupos Chilenos considerado fundacionales de nuestro rock, han grabado solo covers? Los Jockers y Los Diablos Azules son solo algunos ejemplos.

    La edición de disco de Panal tiene méritos históricos y musicales, fue una de las últimas grabaciones de rock en Chile por IRT bajo la serie Machitún, antes del infame golpe de estado de 1973. La banda reunió excelentes músicos ente ellos a Francisco Aranda, lo más cercano que teníamos a Keith Emerson en esos años.

    La versión del tema “Alma Llanera” un joropo del folclor Venezolano, es muy bien lograda, abre con un potente riff de órgano, bajo y guitarra, que es muy difícil de olvidar. El canto distorsionado a través del órgano es notable y me atrevería a decir que ha sido el único grupo en Chile que ha grabado con ese efecto, una genialidad marca Aranda quien además se manda un solo de antología en los teclados. Corales ofrece un gran solo, utilizando fuzz y wah wah y es lo más cercano que se ha escuchado por estos lados a Steve Hillage, me atrevería a decir que a Corales lo escuché primero con ese especial efecto. La dosis de sicodelia en el tema es muy evidente.

    El tema en cuestión tuvo gran difusión radial y era obligado en las fiestas de la época. Hubo algunos clips de la banda que fueron bastantes vistos, especialmente en el programa Sábado en 9 de Enrique Maluenda. Uno de ellos mostraba a toda la banda tocando sus instrumentos en una playa del litoral central.

    El Humahuequeño es otro gran tema, Corales juega con su guitarra explotando posibilidades sonoras y efectos, en unos de los temas más experimentales que ha grabado y que ni con Aguaturbia intentó. Hay Blues, rock, armónicas, excelente y abundante percusión, gran trabajo en el bajo de Pepe Ureta y una salvedad; Denisse cantando en Castellano algo poco habitual en la época para ella. En síntesis es un muy buen disco, entretenido de escuchar y que homenajea el folclor Latinoamericano al ritmo del rock. Hay ciertas discusiones y dudas entre musicólogos y escritores, si realmente Panal o alguno de sus músicos grabo con Numhauser los singles referidos.

    Por último, las sesiones de grabación de Panal fueron paralelas a las que hizo el grupo Kalish, un gran proyecto progresivo de Francisco Aranda cuya concreción de un LP se vio afectado por el golpe y del cual vio la luz solo un single, con covers Emerson, Lake and Palmer; pero esa es otra historia..."

    El que tiene buena memoria


    -----------------------------------------------------------

    Temas de su album:

    lamento borincano

    alma llanera

    -----------------------------------------------------------

    DISCOGRAFIA:

    Panal (1973)



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    Arena Movediza



    Pioneros del rock duro en Chile, Arena Movediza es, junto a bandas como Amapola y Tumulto, parte de la prehistoria del metal en Chile y de las pocas de esos tiempos que trascendieron por temas propios. Nacieron en 1970 en un barrio de clase media de Santiago y con un repertorio de rock clásico abrieron un circuito para bandas en vivo en discotheques y pubs de la época hasta 1973, cuando el golpe militar restringió la actividad nocturna en el país. Su reconocida neutralidad política, sin embargo, les permitió retomar sus actividades con relativa facilidad, en un hecho que favoreció la proliferación de bandas y escenarios dedicados al rock clásico en los 70.

    En 1976 grabaron su primer sencillo: “Palabras”, y dos años después, como premio a un Festival de Rock, la multinacional EMI les graba el segundo: “El Vuelo del Caballo Blanco”. Tardíamente, en 1984, registran el primero de sus tres cassettes, que no circulan masivamente porque la actividad en vivo en gimnasios y salas de barrios de clase media y baja siempre fueron la principal vitrina de difusión para grupos como Arena Movediza. "Pronto Viviremos un mundo mucho mejor" es quizás su gran clásico.

    A fines de los 80, el baterista Carlos Acevedo, y miembro más estable del grupo, forma una banda de rock cristiano, hecho que desata una disputa por el nombre que el propio Acevedo quiere zanjar ahora, a más de 30 años de su fundación, grabando un nuevo disco (Biografía en construcción).

    -----------------------------------------------------------

    Un par de canciones para captar la onda:

    Pronto Viviremos un Mundo Mejor

    El Vuelo del Caballo

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    DISCOGRAFIA (incompleta)

    1977 El Vuelo Del Caballo (Single)



    1978 Recorriendo Un Camino (Single)



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    PD: Tumulto y Arena Movediza sobrevivieron, fuera de la radio y television, en una gira nacional casi eterna (70s y 80s) por pequeños estadios, gimnasios, colegios, universidades, cuarteles de bomberos, etc... Por lo que su repertorio se baso fuertemente en covers del rock de los 60s y 70s. Panal - descubriendo que ya no era tiempo de rock - se desbandaron en 1974 y abandonaron la nave, terminando como musicos de orquesta en programas de TV.
    Last edited by Atila; 02-11-08 at 07:42 AM.

  12. #37

    Default Sobrevivientes del vendaval (desde el exilio)

    Patricio Manns en el exilio

    Chants De La Résistance Populaire Chilienne (junto a Karaxu!) (1974)



    Cancion Sin Limites (1977)



    Cuando Me Acuerdo De Mi País (1979)



    Con la razón y la fuerza (con Inti-Illimani) (1982)



    La Muerte no va Conmigo (con Inti-Illimani) (1986)



    ------------------------------------------------

    Algunas de sus canciones mas emblematicas de aquel periodo:

    Canción para levantar una casa

    La Canción De Luciano

    La Dignidad Se Hace Costumbre

    Las caidas

    Llego volando

    ------------------------------------------------



    Llegó volando el cuervo sobre mi suelo
    para sembrar las ruinas y el desconsuelo.
    Durante largos siglos los yanaconas
    le entregaron las llaves de la corona.
    Durante largos siglos fue ensangrentando
    el suelo de los pueblos que iba violando.
    Perforando las tierras de la labranza
    para escarbar el oro de la templanza.

    Se limpió las dos manos con mi bandera
    y no faltó en mi patria quien aplaudiera.

    Porque hay desventurados que por migajas
    besan la bota sucia que los ultraja.

    Hay algunos que se hinchan con gran esmero
    sirviendo la codicia del extranjero.
    Y otros que se solazan por mil dinares
    entregando su pueblo a los militares.
    Un paredón exijo con cal y canto
    para que el pueblo juzgue de tanto en tanto.
    Mientras llega la aurora tarde o temprano,
    justiciando el dolor indioamericano.

    Llegó otra vez volando el cuervo insaciable
    trayéndonos su sombra interminable.

    Pero no está lejano el día clemente
    en que nos levantemos contra los sables
    para anunciar la aurora del continente.


    Llego Volando (1982)
    Last edited by Atila; 03-11-08 at 02:09 AM.

  13. #38

    Default Sobrevivientes del vendaval (desde el exilio)

    Quilapayun en el exilio

    Adelante (1975)



    El Pueblo Unido (1975)



    Patria (1976)



    Umbral (1979)



    Darle Al otoño Un Golpe De Ventana (1980)



    La Revolucion y Las Estrellas (1982)



    Tralali Tralala (1984)



    ------------------------------------------------

    Algunas canciones simbolicas:

    Premonición A La Muerte De Joaquín Murieta

    La Represión

    Ventolera

    Arriba En La Cordillera

    Luz Negra

    ------------------------------------------------



    Habría que decir que en lo inmediato
    la vida se ha ido haciendo más difícil
    de rojo se mancharon nuestros sueños
    la boca ya no encuentra su palabra
    la noche envuelve el cielo y lo aprisiona
    la patria va alejándose del hombre
    y todas las banderas que flamearon
    se han ido desgarrando con el tiempo.

    Habría que decir que ya no estamos
    cantando por las grandes alamedas
    ya no es la misma siembra en la guitarra
    ya no es el mismo canto el que da vida.
    Habría que afirmar valientemente
    que un mundo nos separa de ese mundo
    y un mundo es lo que queda destruido
    y un mundo por hacer es la tarea

    Yo quiero savia y amor de poesía
    y lucho en el poema y en la tierra
    mi combate es luz y fuego en la vendimia
    de la revolución y las estrellas.
    Y busco mi país donde los hombres
    se asignen el deber de la sonrisa
    y busquen en el mar de lo invisible
    la última razón en esta vida.

    Habría que decir sin más remedio
    que el tiempo es más profundo que la vida
    la luz se vuelve sombra en un instante
    la historia va cambiando los motivos,
    naufraga hasta la nave más serena
    la muerte se despierta con su espada
    la rubia miel en gris se va bebiendo
    y el día va naciendo entre las ruinas.


    Luz Negra, 1982

  14. #39

    Default Sobrevivientes del vendaval (desde el interior)

    Quelentaro (o mejor dicho 1/2 quelentaro)

    Eduardo Guzman marcha al exilio en 1973 y no volvera hasta en 20 años mas, sin embargo su hermano Gaston se queda en Chile, continuando - guitarra en mano y con letras enviadas por Eduardo, via carta - la eterna senda de Quelentaro.

    Tiempo De Amor... (Cantos, Cantares Y Poemas Chilenos) (1976)



    Qué de Caminos (1977)



    Lonconao (1978)



    Buscando Siembra (1979)



    Reverdeciendo (1983)



    Coplas Al Viento (Recopilacion) (1993)



    Leña Gruesa (Recopilacion) (1993)



    8 De Marzo (1996)



    ------------------------------------------------

    Algunas canciones de la epoca:

    Seis De Febrero

    Pequeña Muerte

    Del Cerezo

    Rodrigo Rojas

    Qué Pasó Con el Sol

    ------------------------------------------------








  15. #40

    Default Sobrevivientes del vendaval (desde el exterior)

    Inti-Illimani en el exilio

    Hacia la libertad (1975)



    Canto De Pueblos Andinos II (1976)



    Chile Resistencia (1977)



    Cancion Para Matar Una Culebra (1979)



    Palimpsesto (1981)



    Imaginacion (1984)



    De canto Y Baile (1986)



    Fragmentos De Un Sueño (1987)



    ----------------------------------------------------------------------

    Un puñado de canciones de su epoca en el exterior:

    Vientos del pueblo

    El Mercado de Testaccio

    luchin

    Angelita Huenuman

    Bailando, Bailando

    El Vals

    ----------------------------------------------------------------------

    Imagenes de una epoca mas feliz para Inti-Illimani (y Victor Jara):










  16. #41

    Default Los años de los cantautores

    Eduardo Gatti



    Autor del himno generacional “Los momentos”, Eduardo Gatti ha sido, en diferentes momentos de su extensa carrera, el rostro del primer hippismo chileno, el virtuosismo sobre la guitarra eléctrica y el Canto Nuevo. Sin embargo, su trabajo constante debe más bien instalarse dentro de una corriente de cantautoría sin más clasificaciones que su identidad personal. Gatti y su guitarra conforman una pareja clásica de la música chilena: la del trovador. En su caso, con temáticas volcadas a la naturaleza y el amor, fuera de toda contingencia y casi sin interrupciones a lo largo de varias décadas.

    Las primeras bandas

    Antes del hippismo, Gatti era un adolescente de los años 60 que sabía tocar acordeón y guitarra, y que había tenido una interesante formación musical cortesía del piano de su abuela y de los primeros discos de su vida: los de Bob Dylan y The Beatles. Como alumno del colegio Grange armó dos bandas: The Clouds y Apparition. Con esta última alcanzó a grabar cuatro singles; uno de ellos, la versión en castellano de la balada “When a man loves a woman” (popularizada por Percy Sledge), por cuya interpretación en guitarra eléctrica se ganó el exagerado apodo de "el Eric Clapton chileno". Más tarde, integró durante un breve período el grupo Los Vidrios Quebrados.

    Aunque intentó la formalidad del Conservatorio, los tiempos no estaban para dogmas, y después de tres años de estudios se fue a Europa, encontrándose de golpe con el auge psicodélico que por entonces extendían bandas como Pink Floyd, Procol Harum y Fleetwood Mac. De regreso a Chile, Gatti se unió a los Blops, su proyecto emblema. Con ellos grabó “Los momentos” y vivió el nuevo estilo de vida sugerido por cintas como New love, con la que el realizador Álvaro Covacevic retrató la juventud de la época.

    Los Blops asumían la música como la plataforma para una filosofía amplia, intrínsecamente vinculada a sus vidas y desarrollo personal. Durante un tiempo, Gatti, Juan Pablo Orrego, Julio Villalobos, Sergio Bezard y Juan Contreras vivieron en una comunidad a la que llamaron "La Manchufela", y juntos trabajaron como en un taller sus tres álbumes: Blops (Los momentos), Blops (Del volar de las palomas) y Blops (La locomotora).

    El Gatti solista

    En julio de 1973 vino el desbande de los Blops, lo que dio paso al inicio de la carrera solista de Gatti. Tras participar en la versión local de Jesucristo Superestrella y embarcarse en un viaje a Alemania como tripulante de un barco, Gatti se reunió brevemente con Orrego en 1978 para una reunión de los Blops. Pero su dirección apuntaba a su desarrollo como cantautor, y en 1982 ya tenía editado su debut: Eduardo Gatti. El disco incluía “Quiero paz”, “El viaje definitivo" y una nueva versión de “Los momentos”, y condensaba una colorida producción instrumental. El éxito de esa primera incursión le permitió al año siguiente firmar contrato con la multinacional RCA (actual BMG) para Gatti II, el disco que incluye una de sus canciones más recordadas de los años '80: “El navegante” (tema central de la película El último grumete, de Jorge López).

    Para 1985, Gatti era una de las máximas figuras de la canción local. Vinculado al Canto Nuevo, en cuyos escenarios era figura frecuente, logró sin embargo trascender esos circuitos. Realizó un exitoso ciclo de cuatro recitales a tablero vuelto en el Teatro Providencia con otros conocidos músicos (entre ellos, Cecilia Echenique). Gatti en vivo es el registro de esa experiencia. En Loba, su álbum de 1987, exploró la tradición de la música celta.

    En 1989, el cantautor se asoció con otra figura señera de los años 70, el argentino Nito Mestre. Juntos grabaron Entrada de locos, donde recogían canciones de sus respectivos grupos: los Blops y Sui Generis. La sociedad les permitió también ofrecer algunas presentaciones en vivo, incluyendo una nueva versión del recital de 1973 "Los caminos que se abren" (junto a Los Jaivas y Congreso), en el Estadio Santa Laura. Los vínculos con músicos argentinos se mantuvieron más tarde con presentaciones junto a gente como León Gieco y Mercedes Sosa, y, años más tarde, en presentaciones en Chile y Argentina. Mestre ha grabado la que Gatti considera "la mejor versión de 'Los momentos' que le he escuchado a otro músico".

    En 1993 el trovador volvió al disco: en Temprano en el cielo, en el que centró su mirada en la naturaleza y sus bondades. Ese fue el año en el que Gatti cumplió el sueño de abrir el show de unos de sus ídolos, cuando Paul McCartney actuó en el Estadio Nacional de Santiago, algo significativo para un antiguo fanático del rock inglés de los años 60 .

    Cuéntale al sol fue un disco hecho en colaboración con el ex integrante del grupo Embrujo, Carlos Fernández. Al poco tiempo, Gatti participó del taller guitar kraft, que el guitarrista de King Crimson, Robert Fripp, dio en Chile en 1998. El músico ha ido desarrollando, en paralelo a su estilo reposado como trovador, una forma de interpretación mucho más rockera y progresiva, que ocupará en el regreso de su banda de origen: los Blops. Juntos otra vez en 2001, relanzan su discografía a través del sello BMG y hacen una serie de presentaciones.

    En 2002 Gatti, sin embargo, vuelve a sus canciones de siempre y lanza Númina, una nueva versión de Cuéntale al sol, con dos canciones nuevas y cambios en la producción. Actualmente Gatti es miembro del Consejo de la Sociedad Chilena del Derecho de Autor. Fue elegido en 2003 para trabajar ahí por cuatro años. En paralelo mantiene activa su agenda de conciertos, con un extenso repertorio que incluye varios clásicos del cancionero popular chileno.

    Gabriela Bade



    ----------------------------------------------------------------------

    Un par de canciones para entrar en onda:

    Los Momentos
    Quiero Paz
    Naomi
    Ramita De Sauce

    ----------------------------------------------------------------------

    Algunos de sus discos:

    Gatti II (1983)



    Esencialmente Así No Más (1986)



    La Loba (1987)



    De momentos, viajes y navegantes (1996)

    Last edited by Atila; 12-11-08 at 12:10 AM.

  17. #42

    Default Los años de los cantautores

    Fernando Ubiergo



    A los 23 años, y equipado apenas de una guitarra, Fernando Ubiergo protagonizó el más masivo fenómeno que ha generado un cantautor en Chile. A través de festivales televisivos, y en plena época del toque de queda, el joven se convirtió en un ídolo de masas, abriendo un camino que lo llevó incluso a explorar una carrera internacional.

    Ubiergo ha compuesto al menos 120 temas, y ha logrado que varios de ellos se conviertan en clásicos populares. Su estilo privilegia narrar con sencillez situaciones cotidianas y, a veces, versos de amor. Con una carrera activa, el cantautor de origen porteño no tiene hoy la fama de antaño, pero su biografía es fundamental para la historia de la música chilena, y es imposible hablar de las décadas de los '70 y los '80 sin pasar por canciones suyas como "Un café para Platón" o "Cuando agosto era 21".

    Otro estudiante universitario

    Nacido en Valparaíso, Fernando Ubiergo se trasladó tempranamente a Santiago, donde estudió en el colegio Darío Salas. Pasó luego a la carrera de sociología, en la Universidad de Chile. Pero los militares en el poder cerraron primero esa escuela y, luego, también la de Periodismo, en la que Ubiergo alcanzó a estar un año como alumno. Cuando se preparaba para continuar sus estudios en el extranjero, en noviembre de 1977, su canción "Un café para Platón" ganó el Festival de la Primavera, y su vida –como él mismo reconoce– cambió para siempre.

    Organizado por la Secretaría Nacional de la Juventud, el Festival de la Primavera tuvo esa única versión, y era el sexto certamen al que se presentaba el joven Ubiergo. En su incipiente trayectoria, para entonces ya había obtenido el primer lugar en casi todos esos festivales, no fue sino hasta entonces que comenzó a considerar la posibilidad de profesionalizarse. Que el Festival hubiese sido transmitido esa vez por Televisión Nacional, multiplicó el impacto masivo del tema (la historia de una amistad fraguada al calor de los patios universitarios). IRT lo grabó y editó como single, y Ubiergo tuvo si primer hit radial.

    La estampa sencilla de Ubiergo —un chico delgado, que siempre vestía de blanco y no parecía tener referentes en la generación previa de músicos chilenos— alimentó una imagen casi mística, que se consolidó pocos meses después con su participación en el Festival de Viña del Mar 1978, el primero que fue transmitido en colores. "El tiempo en las bastillas" obtuvo el primer lugar del certamen, desencadenando un fenómeno popular que incluyó fanatismo adolescente, portadas de revistas y la grabación de un disco homónimo (con parciales arreglos del experimentado Guillermo Rifo) que vendió nada menos que 150 mil copias.

    Fernando Ubiergo (1978) contiene sus dos hits festivaleros junto a temas como "El velero en la botella" y "Ana Ariki". Giras por Chile y un disco en vivo (en el que estrenó "Cuando agosto era 21", la historia de un aborto adolescente que dos radios se negaron a pasar al aire y que décadas más tarde animaría una vistosa acusación de plagio contra el grupo rock español Mago de Oz, que terminó en un acuerdo extrajudicial) fueron la continuación de su sorpresiva fama. Ubiergo es acostumbró entonces a llenar teatros a lo largo de Chile, convirtiéndose, además, en invitado frecuente de la televisión (un espacio que, hasta entonces, había estado dominado por los baladistas). Junto a nombres como Florcita Motuda e Illapu, el cantautor fue uno de los pocos músicos chilenos que en esos años accedió a la difusión masiva con temas propios.

    La censura, España y la OTI

    Pese a la neutralidad política por la que Ubiergo había optado, hacia fines de los años '80 el cantautor tuvo sus primeros enfrentamientos con la censura oficial. Si bien su estilo estaba lejos de movimientos alternativos de entonces, como el Canto Nuevo, a la lógica militar no siempre le resultaba cómodo; sobre todo, por la constante negativa del joven a participar en actos gubernamentales.

    Así, cuando el músico grabó su tercer disco, Ubiergo (1979) —rotulado también como Secretos de otoño—, vino casi la interrupción de su carrera. La decisión de incluir dos temas del cubano Silvio Rodríguez y la canción "Te recuerdo Amanda", de Víctor Jara, llevó al sello a restringir la circulación del álbum, del que fueron editadas apenas mil copias.

    Ubiergo renunció a la compañía y, tras algunas señales de amedrentamiento (como ataques a su automóvil), decidió congelar sus grabaciones. El silencio, en todo caso, fue breve, pues en febrero de 1981 reapareció en la competencia del Festival de Viña del Mar con el tema "Pasajero de la luz", dedicado a John Lennon y arreglada y dirigida por Pancho Aranda. Obtuvo el segundo lugar y le dio el mismo nombre a un nuevo disco.

    A partir de esa grabación y casi sin quererlo, Ubiergo emprendió su aventura internacional. El sello español Hispavox le ofreció grabar tres álbumes y radicarse en España, y el cantante inició una carrera que al año siguiente lo hacía ganar el valenciano Festival de Benidorm, con el tema "Pienso en ti" (el segundo lugar lo ocupó esa vez Joaquín Sabina, con "Princesa"). Un productor italiano y la decisión del sello de convertir a Ubiergo en un cantante más cercano a la balada dieron como resultado el disco Canto por ti (1982). Pero el resultado no dejó contenta a ninguna de las partes, y la sociedad recién dio los frutos esperados en el siguiente En algún lugar del mundo (1984), que sucedió a un homenaje a Chabuca Granda editado el año anterior.

    El nuevo registro incluía "Agualuna", el tema arreglado nuevamente por Aranda con el que Ubiergo había ganado ese año el festival internacional OTI, realizado en México. Sobre esa firme plataforma, el chileno realizó giras por Iberoamérica, en un camino que él mismo decidió abandonar más tarde, ante el ya claro desacuerdo con la línea musical que buscaba desarrollar la compañía discográfica en su trabajo. "Querían convertirme en un José Luis Perales, y yo buscaba otra cosa", dijo años después para justificar su decisión de regresar a Chile tras cinco años de residencia en España.

    Del regreso al retiro

    El retorno de Ubiergo, si bien generó expectativa mediática, no tuvo el impacto de antaño. A los dos años editó un disco de escasa resonancia, Tarde o temprano, (1987), que aunque es considerado uno de los más sólidos de su discografía, demostró que su música ya no estaba en sintonía con el gusto masivo. Presentaciones en pequeños espacios distinguieron esta etapa musical del cantautor, que en 1992 regresó por tercera vez a la competencia de Viña del Mar con el tema "Diosa del sur", aunque sin obtener más que el premio como mejor intérprete.

    Un concierto en invierno de ese mismo año resumió su carrera, y fue algo así como la despedida de su historia. Sin mayores alardes, Ubiergo se retiró de los escenarios, en una decisión que ni él mismo tenía muy clara a dónde lo llevaría. El término de su carrera univesitaria, su cambio de residencia al litoral central, su ocupación en un oficio comercial vinculado a propiedades y su participación en la gestión de la Sociedad Chilena del Derecho de Autor, SCD (de la que llegó a ser presidente, el 2004), ocuparon sus siguientes años.

    Al cumplirse media década de este silencio musical, a fines de 1998, el cantautor reapareció en la prensa para anunciar su regreso a los estudios de grabación. En 1999 editó Los ojos del mar, un trabajo compuesto sólo por canciones inéditas, y cuyo primer sencillo, "Los ojos de Rodrigo", abordaba el tema de la separación matrimonial. Si bien la canción circuló por las radios, desacuerdos con la compañía que editó el disco dejaron trunca su proyección.

    Ubiergo, entonces, y sin las prisas de otros tiempos, resolvió repasar su propia historia, grabando un especial televisivo con sus viejos clásicos registrados en formato acústico. Innovaciones como "El tiempo en las bastillas" en ritmo de blues, o la participación de Claudio Valenzuela, de Lucybell, en "Agualuna", fueron las credenciales de su nueva etapa musical. El disco Acústico fue el resultado de ese trabajo, que dos años después fue seguido por un nuevo álbum original: La sombra del águila, producido por el propio cantautor, pero con colaboradores de peso a su lado, como Fernando Julio (Javiera y Los Imposibles) y Camilo Salinas. El tema que le daba el nombre al álbum era una reflexión sobre el ansia imperialista estadounidense, lo cual llevó a ciertos medios a una sorpresiva calificación de "álbum polémico".

    Hoy Ubiergo alterna su carrera musical con la presidencia de la Sociedad del Derecho de Autor, asumida en el 2004 tras la muerte de Luis Advis. Su imagen se ha ganado el respeto gremial de sus colegas, en una labor que ha relegado a un segundo plano su carrera musical que, pese a todo, se mantiene activa, con regulares presentaciones en vivo e, incluso, una ocupada gira a Europa a fines del año 2007 (con presentaciones en Suecia, Noruega y Alemania). El impacto masivo, naturalmente, no es el mismo que en los años '70 u '80, pero eso no parece apurar al autor de "Un café para Platón". Su nombre es parte de la historia musical chilena y hoy día sólo está escribiendo capítulos más discretos.

    Jorge Leiva



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    Algunas de sus canciones:

    La sombra del águila
    Cuando agosto era 21
    Un café para Platón
    La próxima estación

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    Algo de su discografia:

    1978 En Vivo



    1999 Los Ojos Del Mar



    2001 Acustico



    2004 La Sombra Del Angel


  18. #43
    EldíaquenovinoSuperman dunkeleith2000's Avatar
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    Bueno, pues ya están en circulación en España las siguientes camisetas. Todavía no las colgué en la web pero les he pasado los modelos a tiendas.

    De Victor Jara me he de hacer una para mi, me ha caído muy simpático, además me serivirá para provocarles urticaria a los rojillos de pacotilla que pululan por ahí.

    Modelos cortesía del potochop y pirateaos, que estamos en la era del sampler.
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    http://www.rpg-7.com

  19. #44

    Default Los años de los cantautores

    Oscar Andrade



    Tenia 14 años atragantados

    El recordado cantante, que en los ´80 dividía su tiempo entre el Café del Cerro y los canales de TV con canciones de contenido, está de vuelta tras 14 intensos años de carrera en Alemania. Con una voz más profunda y un evolucionado sonido musical, a fines de mayo se reencontró con su público en la Estación Mapocho, ahora se prepara para un nuevo estelar de TVN y aquí nos aclara los mitos de su figura artística.

    Pocos saben que el autor del emblemático "Noticiario Crónico", que iniciara su carrera musical a los 18 años, fue amenazado de muerte en seis oportunidades por los organismos represivos de la dictadura. Pocos saben también que Oscar Andrade no se fue de Chile en democracia, sino el año 1989, tras dos años de censura y una profunda pena de amor que quería dejar atrás. "Claro y mi fama seguía, pero comencé a estar vacío por dentro y a eso se juntó la censura dos días antes de los conciertos" y -recuerda-, "después de estar en el Festival de Viña, en el Casino, terminé cantando en boites con mi compañero Pablo del Real, que me acompañó en todas las penurias. Pero pasaron cosas bellísimas: en Rancagua me tocó cantar en una especie de boite y me anunciaron en una pizarra y resulta que se llenó, ¡pero de familias, abuelitas, hijos! y les cambió el público a las niñas que atendían".

    Pero muchos se preguntan por qué el destino del autor de temas como Un Rato Antes de Partir, La Tregua o Vida, sería Alemania si no conocía ni el idioma y apenas se defendía con el inglés del colegio. Andrade, entonces, pisó tierra alemana con 500 dólares en el bolsillo, sin visa y con la sensación de que tenía que jugársela con todo. Era el mismo día de la caída del muro de Berlín. Su destino fue Weimar una pequeña ciudad caracterizada por un alto desarrollo histórico e intelectual, donde vivió Goethe y Nietzche, entre otros. Ahí pasaría los primeros 7 años estudiando música clásica y jazz: "me habían dicho, que cuando en Alemania haces bien las cosas, a los alemanes te los ganas, te abren todas las puertas si eres responsable, estudioso... y me puse el más aplicado de los pocos latinos que habían allá. Yo era un personaje exótico en una ciudad muy alemana, y yo con pelo oscuro y poncho... hasta los obreros me agarraban para el hueveo. Y ahí me organicé".

    Sin flaquear y con el chileno a cuestas, nunca dudó en cantar en español cuando tuviera esa oportunidad: "organicé una tocata en el internado de la escuela de música y llegaron como 300 personas porque se corrió la voz de que había un concierto de un latino, y yo les caía simpático. Salgo con camisa de seda, zapatos de charol, súper Sábados Gigantes (se ríe). Esa vez volví como siete veces al escenario, canté con toda el alma... para quedarme. Y por suerte nunca supe antes del concierto quiénes estaban en el público. Después me enteré que casi todos eran profesores y alumnos de una escuela de música alemana, una de las más prestigiosas de Europa. Ahí se me pegaron dos personajes, uno de ellos Falk Zenker, el guitarrista que lo acompaña hasta hoy. Y empecé a mostrar mi música, a aprender, a imbuirme de esa ciudad maravillosa, y se me empezó a olvidar Martes 13, Sábados Gigantes, todo".

    Pero en esa misma ciudad, también tuvo que enfrentar otra realidad, como los grupos neonazis: "una vez doblo por una calle y a todo lo ancho viene un grupo. Yo iba solo y rezando, literalmente, seguí adelante y puse la cara más mala que se me ocurrió (risas) y con paso firme seguí decidido y se abrieron para que yo pasara...". En otra oportunidad, recuerda: "era de noche, viene un grupo y lo único que tenía cerca era un hotel, entré y era el único tipo sentado en la barra de un bar. Entonces el mozo me dice: afuera lo están esperando. Miro para afuera y había 12 tipos parados. Llamé a un taxi y llegó un tremendo chofer, salimos juntos, me meto soplado al auto y él me dice: no se preocupe, usted va conmigo. Me impresionó mucho su actitud, porque es muy distinto a la idiosincrasia chilena del no estoy ni ahí. Ellos se involucran socialmente los unos con los otros, con lo que pasa en la ciudad".

    Una vida en tren

    Oscar Andrade cumplió 30 años de carrera en julio. Una, que si bien se inicia con su aparición en el programa Dingolondango, también posee características menos faranduleras y sí más románticas. "Cantaba con armónica y guitarra en los trenes para el sur y me acompañaba un amigo, que me presentaba a los pasajeros, porque yo pololeaba con la que fue mi esposa y mi amigo con la hermana, y las dos vivían en Talca. Yo iba en esos trenes para financiar mi pololeo, cantaba sólo en primera y en salón (risas), hasta que me di cuenta que ya no podía seguir, porque empecé a aparecer en la tele y la gente ya empezaba a reconocerme".

    En efecto, era 1975 y en el programa conducido por Enrique Maluenda, se invitó a todos los jóvenes talentos. Llegaron alrededor de mil 500 y Andrade quedó entre los cuatro finalistas. Ese sería el comienzo de una promisoria carrera que en plena dictadura combinaba conciertos, tocatas en el Sheraton, el programa "Viva la música", del entonces Canal 9, el programa dirigido por Gonzalo Beltrán, "Esta noche es fiesta", y la participación en festivales como la OTI donde presentaría una de las canciones más recordadas, La tregua, que sin embargo, no obtendría el primer lugar.

    Pero sin lugar a dudas, lo que provocó el cambio radical en su carrera fue su participación en el programa Chilenazo en 1981 con el tema Noticiario Crónico. "Nunca fue parte de un disco y hasta el día de hoy lo que escuchas es un demo que yo hice y que me costó 14 lucas". Hecho que Andrade explica vívidamente: "el día en que se transmitió por primera vez la canción, un productor me dijo, `Oscar te andan buscando, porque hay una parte de la canción que no les gusta', y me alerta, `escóndete en la sala de aseo...'. Y yo respirando parafina..., luego me voy al escenario, Jorge Rencoret me presenta y la canté entera, y cuando yo canto `oh perdón, comercial...', el teatro entero estalla. Fue uno de los mayores estruendos que yo he tenido en mi carrera, unos gritaban, otros se paraban a aplaudir, queda una tremenda escoba..., y la parte final la canté con un nudo en la garganta. Rencoret no podía presentar la canción que venía, porque la gente seguía aplaudiendo. Fue un boom que duró prácticamente 6 meses y estuve en el primer lugar de los ranking de música internacional. Por eso el sello no me dejó grabar el tema de nuevo, porque había que tirarlo a la calle y vendieron el demo de 14 lucas. Nunca lo grabé e incluso, el bajo sale desafinado".

    Este cambio que significó ser figura de estelares como Martes 13, también le implicó algunos desajustes. "Yo no podía andar tranquilo en la calle, quería ser el Oscar de siempre, pero la normalidad sólo la pude recuperar cuando me fui a Alemania, porque cuando tienes éxito tan joven..., la vida se me hizo tan fácil, que me quedé con poco margen de comprensión para entender... durante mucho tiempo yo ganaba 10 mil dólares semanales". Pero, por otro lado, también sufrió la incomprensión de sus pares. "Para mí era más importante el mensaje que la pinta y en eso los del Canto Nuevo me entendieron bien poco, porque para la TV yo era el rojo del Café del Cerro y para los del Canto Nuevo, era el minito bonito que salía en la tele. Entonces, yo estaba entre dos fuegos, con desaires de las dos partes. Y yo les decía, si voy con barba y pelo largo no salgo en la tele y yo quiero entregar mi mensaje. Es que en ese tiempo ser cantautor y decir lo que pasaba en Chile era casi un servicio social".

    Alemania versus Chile

    Andrade sacó tres producciones antes de irse del país y en Alemania produjo el disco "Desde la luz", el cual fue dado a conocer, entre otras nuevas canciones, en el recital de la Estación Mapocho. "Es un disco con sólo cuatro temas, porque no me alcanzó la plata para más. Por mi grado de perfeccionismo, yo quería grabarlo en uno de los estudios mejores de Europa, y claro, me alcanzó para sólo cuatro temas, igual que en el chiste de Condorito que tenía una tremenda puerta, súper aristocrático, porque quería construir una mansión, pero adentro sólo había una media agua. Entonces, con los cuatro temas me movía para que me contrataran", explica. Hasta que uno de esos CD llegó a las manos de un productor de una casa de discos de Weimar: Pläne, "pero estos tipos -dice- estaban más metidos con la cuestión ideológica, que musical". Alejado de esas pistas, a poco andar, tuvo la posibilidad de firmar con una editorial y sello de envergadura. "Casi todos los artistas más famosos de Alemania están ahí. Mi contrato es a través de Universal International. Parte del contrato es un pago de 51 mil euros al año sólo por componer y además incluye que gano el 60 por ciento del derecho de autor. Los productores allá se interesan por el músico y se vuelan con la música y no andan pensando sólo en el billete. Ellos están esperando mi ida a Alemania, yo he mandado la música, pero ahora me exigieron presencia en Alemania, para hacer giras. He sacrificado un nivel de dinero y de carrera por estar acá mientras tengo ese contrato escrito en alemán", reflexiona.

    ¿Por qué te quedas entonces?

    Porque 14 años es mucho tiempo y los últimos años que estuve allá terminé enronchándome por todo. Yo tenía una doctora de cabecera, porque allá es obligatorio, y un día me dijo "anda a Chile, canta y se te va a pasar todo". Tenía 14 años atragantados.

    Andrade llegó al país el 2003, pero no tuvo buena acogida de los productores nacionales, con lo cual, concentró toda su energía en armar su propia empresa: "Estados esenciales". Con ella logró producir su concierto y ahora organiza su gira a nivel nacional. "Mi idea nació como necesidad de poder expresarme libremente y romper las puertas del mercado a través de una producción independiente. Ahora estoy inventando mi propia red de venta de ticket y de CDs".

    El músico piensa concretar todo esto a través de su página web: www.oscarandrade.cl Confío en que voy a tener buenos resultados en las reuniones futuras, ya no quiero pelear, quiero llegar a acuerdos serios como sello independiente. También estoy armando el estudio de grabación; quiero producir buenos grupos de música; quiero hacer la red de distribución y venta de música; quiero llegar a acuerdo con empresas auspiciadoras y dejar todo andando", dice.

    ¿Qué significó para ti el reencuentro con el público chileno?

    Fue la culminación de un largo período de extranjerismo, incluso de sentirme extranjero cuando volví a mi propia tierra. Si hubiera cantado hace dos años no hubiera sido lo mismo, no hubiera entendido muchas cosas. Chile no es el mismo de antes. Hay una serie de cuestiones que requieren mucho tiempo para aceptarlas, como el grado de envidia que existe en este país. Cuando vas consiguiendo metas y los demás no, no se pone muy entretenido estar en el mismo grupo. He tenido que tener cuidado hasta de contar mi propia historia con personas que no han tenido el mismo destino; por eso le agradezco mucho a ellos, porque yo no habría vivido lo de Alemania, si hubiera estado bien acá.

    Valeria Solís T.



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    Un par de temas de Andrade:

    Llegó Volando

    Noticiero Crónico

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    Discografia (incompleta):

    Vida (1983)


  20. #45

    Default El Canto Nuevo de los Ochentas

    Schwenke & Nilo



    Probablemente la expresión más importante del movimiento de Canto Nuevo, desarrollado en Chile durante la década de los '80, fue el dúo Schwenke & Nilo, el dúo que hasta hoy mantienen los músicos Nelson Shwenke y Marcelo Nilo, que funciona intermitentemente, pero que continúa componiendo, presentándose en vivo y grabando discos.

    Cronistas de su época, fueron forjadores de canciones que se convirtieron en auténticos clásicos de los circuitos más activos de oposición al régimen de Pinochet. Inspirados en la tradición de canción social, su inquietud en torno a las relaciones humanas y su apego a la naturaleza del sur de Chile, esta sociedad de trovadores no ha detenido su trabajo y, pese a su marginalidad mediática, completa una considerable discografía y cumple con esporádicas presentaciones en vivo.

    Encuentro en la Universidad Austral

    Su origen data de 1978, cuando en la Universidad Austral, de Valdivia, se conocieron como estudiantes Marcelo Nilo y Nelson Schwenke (el primero alumno de Música; y el segundo, de Antropología), a instancias de un taller de investigación en torno a la música chilena. Schwenke tenía entonces varias composiciones propias, que Marcelo Nilo enriqueció con arreglos musicales, estableciéndose así la forma de trabajo que el dúo conserva hasta hoy.

    Su primer circuito en vivo fue el de las peñas y festivales universitarios. Viajaron a Santiago en 1980 para participar en el Segundo Festival de la ACU (Asociación Cultural Universitaria), y establecieron allí contacto con algunos de los más destacados músicos del naciente movimiento de Canto Nuevo, como Santiago del Nuevo Extremo o Hugo Moraga. La buena acogida de su trabajo y de canciones como "El viaje" ("Señores, denme permiso / pa' decirles que no creo / lo que dicen las noticias") les permitió ampliar sus presentaciones a otros lugares de Chile, y en 1983 grabaron su primer cassette (homónimo), bajo etiqueta Alerce.

    Para entonces Schwenke & Nilo había enriquecido su sonido con teclados y bronces, por lo que en esa grabación, producida por Jaime de Aguirre, participaron nada menos que 35 músicos. En ese álbum están las canciones "El viaje", "Lluvias en el sur", "Entre el nicho y la cesárea" y "Hay que hacerse de nuevo cada día", entre otras, casi todas con alusiones a la situación política y social de ese tiempo.

    Pausas involuntarias

    Las letras, sin embargo, no caían en los códigos meramente panfletarios, si bien su mensaje y los circuitos en los que actuaban evidenciaron su vocación política de izquierda, y el grupo sufrió por ello no pocas persecusiones. Avisos de bombas en sus conciertos, seguimientos de los servicios de seguridad, y la suspensión de sus actuaciones fueron sucesos frecuentes de su actividad musical; que incluso debió ser interrumpida cuando Nelson Schwenke partió a vivir a Alemania durante un año, en 1982, a causa, justamente, de las constantes amenazas de muerte recibidas.

    El dúo, a pesar de todo, no detuvo su trabajo. Entre 1985 y 1986 grabó su segundo álbum, Schwenke & Nilo volumen II , en donde incluyó el tema "Mi canto" ("en qué quedó la poesía / en qué quedó la libertad / En dónde está el aprendizaje / de amar sin esperar", cantaban allí) y, nuevamente, convocó a decenas de músicos en el estudio. Sin embargo, su difusión fue interrumpida nuevamente por una causa extramusical: Nelson Schwenke se vio afectado por un cáncer linfático que lo tuvo un par de años al borde de la muerte. Así y todo, no se detuvo la actividad del dúo.

    En su tercer disco, de 1988, introdujeron bases secuenciadas. Fue un trabajo sin la misma acogida que sus predecesores. "La gente entró en una apatía. Se diluyó el enemigo común y no había nada que hacer", dice hoy Nelson Schwenke en relación a ese trabajo, editado el mismo año del plebiscito, cuando los espacios del Canto Nuevo ya se habían agotado.

    El regreso de la democracia al país, en 1990, no se tradujo en una mayor presencia mediática, y la falta de espacios los confinó a un escaso ritmo de presentaciones en vivo. Luego de grabar su cuarto disco, ambos músicos comenzaron a ejercer sus profesiones. Más tarde, y por motivos personales, Nelson Schwenke decidió mudarse a la ciudad de La Calera para administrar y atender una ferretería, labor que mantiene hasta hoy. Nilo, en tanto, hace clases en una universidad, trabaja en el Centro de Danza Espiral y está vinculado a la Fundación Víctor Jara.

    Su actividad musical, sin embargo, no ha cesado. Durante los años '90, los músicos completaron tres producciones con el sello Alerce, manteniendo su discurso lírico y musical, enriquecido por músicos invitados y siempre incluyendo temas de inspiración humorística, en una de sus facetas menos conocidas. En el año 2000 registraron un disco doble en vivo; y en el 2004 lanzaron el Volumen 8, producido con recursos de Fondart. Plaenean la pronta edición de un DVD.

    Comparados con Simon & Garfunkel, con canciones que van de la reflexión más triste a la ironía más inteligente, y con sonidos que se pasean de la guitarra acústica a las secuencias electrónicas, Schwenke & Nilo son una de las agrupaciones más longevas de la trova chilena. Lejos de los grandes escenarios, los festivales, las radios y la televisión, han optado más por la discreción que por los reclamos por falta de espacios. "Golpeamos las puertas en su momento y no se abrieron", dice Nelson Schwenke, en una opción por la marginalidad que suena consecuente con el discurso musical que hace casi veinte años mantiene el dúo valdiviano.

    Jorge Leiva



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    Un par de canciones:

    Nos Fuimos Quedando En Silencio

    Lluvias Del Sur

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    Discografia (incompleta):

    Schwenke & Nilo Volumen I

    Last edited by Le Rouge; 02-12-08 at 12:55 PM.

  21. #46

    Default El Canto Nuevo de los Ochentas

    Santiago Del Nuevo Extremo



    Dos momentos de la historia musical chilena se encuentran en Santiago del Nuevo Extremo. El grupo comenzó en 1978 en circuitos universitarios, con un sonido acústico y centrado en la guitarra, y claras referencias a la Nueva Canción Chilena. Sin embargo, terminó experimentando con teclados y saxos, casi una década después.

    Entre tanto llenó teatros, habló de política y vida cotidiana, se enfrentó a la desconfianza de las estructuras partidistas, pasó por el Festival de Viña del Mar, compartió escenario con Inti-Illimani y sirvió de base para el nacimiento de Fulano, en 1986. Nunca tuvo impacto masivo, pero su desarrollo fue mucho más lejos de los códigos que conjugaron en sus orígenes, y la vigencia de su sonido quedó demostrada en su reunión de fines de los años '90.

    Durante un año sabático

    Nacieron en 1978. A mediados de ese año regresó a Santiago Luis Le-Bert, luego de abortar una carrera en la Universidad Católica de Valparaíso. En los meses sabáticos que se tomó creó un grupo con sus hermanos y el actor Sebastián Dahm. Cuando Le-Bert se incorporó a Arquitectura de la Universidad de Chile, en 1979, ingresó al grupo Pedro Villagra (entonces estudiante de Antropología, en la la Universidad de Chile) y Jorge Campos (alumno de Estética, de la Universidad Católica), quienes constituyeron el eje histórico de Santiago del Nuevo Extremo. Junto a Julio Castillo y Luis Pérez, formaron el quinteto. Eran cuatro guitarras y un contrabajo, actuando fundamentalmente en facultades universitarias.

    En 1980 grabaron su primer disco, A mi ciudad, que es hasta hoy el de mayor popularidad del grupo. Canciones como "Simplemente" (una declaración de vida cotidiana), "Homenaje" (un saludo a la memoria de Víctor Jara) o "A mi ciudad" (una descripción de la vida en Santiago, con referencias a la historia y el toque de queda) fueron himnos de la época para los sectores opositores al gobierno militar. Una lírica poco directa, cuyo principal responsable era Le-Bert, fue parte del discurso del grupo, que de esa forma se enfrentaba a la posible censura militar: "Así se hablaba en esa época. Se decían las cosas sin decirlas", recuerda hoy día el compositor. En 1981, la canción "Linda la minga", que narraba la tradicional costumbre chilota, los llevó al segundo lugar de la competencia folclórica del Festival de Viña del Mar, lo que significó un leve reconocimiento masivo, que se reprodujo al año siguiente cunado participaron con el tema "El trauco".

    Asociados al movimiento del Canto Nuevo, Santiago del Nuevo Extremo trascendió ese género por el crecimiento de su propuesta musical. Su segundo álbum, Hasta encontrarnos (1983), tenía más juego de voces e innovaciones instrumentales, como la fuerte presencia de la flauta traversa de Villagra. El grupo viajó a mostrarlo por Europa y América, hizo recitales masivos en el Café del Cerro, el teatro Cariola y universidades, y acumuló una popularidad que, fundamentalmente, seguía anclándose en el repertorio del primer disco.

    Con reiterados cambios de formaciones (a excepción del eje Le-Bert-Villagra-Campos), el grupo mantuvo un alto ritmo de presentaciones hasta su tercer álbum, Barricadas (1985), en el que la experimentación sonora pasó a ser la esencia del sexteto. Batería, saxofón, bajo eléctrico, charango y teclados se hicieron fundamentales en su sonido. "En el primer disco cualquier canción se podía cantar en una fogata. En el tercero, con suerte la mitad", ilustra Le-Bert. El álbum incluía el tema "La mitad lejana", grabado en conjunto con Inti-Illimani en Alemania, en lo que fue la consecuencia de una admiración recíproca entre ambos grupos, expresada en varios encuentros en escenarios extranjeros.



    Primer quiebre

    El agotamiento de los músicos, la falta de público en sus presentaciones, y los proyectos paralelos de los integrantes fueron desgastando a Santiago del Nuevo Extremo. La mitad de la banda (Jorge Campos, Cristián Crisosto y Willy Valenzuela) eran para mediados de lso años 80 también parte de Fulano, mientras que Pedro Villagra había comenzado a acercarse al grupo de pop experimental Primeros Auxilios, que lideraban Silvio Paredes y Rodrigo Alvarado.

    En octubre de 1986, un Teatro California casi vacío apresuró el fin del grupo, cuya separación ya había sido resuelta en la sala de ensayo del Café del Cerro. Campos pasó a Congreso; Villagra, a Huara; y Le-Bert grabó un disco solista en 1988, ganó un festival en el programa televisivo "Martes 13" y se retiró de la música en 1989, para dedicarse a la arquitectura.

    Sólo en 1998, doce años después, el eje histórico se reunió y resucitó a Santiago del Nuevo Extremo, esta vez con el baterista Sergio Tilo González (de Congreso) como invitado permanente. Tras algunas presentaciones, la banda registró Salvo tú y yo, en rigor su cuarto disco, trabajo que recreó el sonido de antaño con un especial protagonismo del sonido acústico.

    Nuevas presentaciones, giras que incluyeron un viaje a Suecia, y un disco doble registrado en vivo (en la Sala Master de la radio de la Universidad de Chile, en diciembre de 2001) marcaron la nueva etapa de Santiago del Nuevo Extremo, que se mantuvo en paralelo a las numerosas actividades musicales independientes de cada uno de sus integrantes. Canciones como "Qué pasó con el afiche del Ché que tenías pegado en la pared" o "Salvo tú y yo" demostraron las potencialidades creativas del eje creativo de Le-Bert. Villagra y Campos.

    Hacia fines de 2002, sin embargo, el ritmo de vida del grupo fue disminuyendo hasta producirse un nuevo receso en forma natural, el cual se mantiene hasta hoy. Todos sus músicos han seguido en actividad con agrupaciones o como solistas (Le-Bert incluso continúa ejerciendo como arquitecto), pero ninguno descarta la posibilidad de volver a reunirse.

    Jorge Leiva



    ----------------------------------------------------------------------

    Algunas canciones de su repertorio:

    A Mi Ciudad
    Homenaje
    La Mitad Lejana
    Barricadas

    ----------------------------------------------------------------------

    Discografia (incompleta):

    A Mi Ciudad (1981)



    Hasta Encontrarnos (1983)



    Barricadas (1985)


  22. #47

    Default Neo-folklore Andino en los 80s

    Arak Pacha



    Arak Pacha, grupo chileno de música andina, nace en los años ochentas en la ciudad de Arica, después de participar en una gira artística por algunos países vecinos como Perú y Ecuador emigra a Santiago, donde reinicia su carrera en el local del Café del Cerro.

    Luego de algunos vaivenes durante el inicio de los 90’s el conjunto liderado por José Segovia “Patara” reinicia un fuerte número de presentaciones en Chile, en especial en su reducto el CONACIN (Coordinadora Nacional Indianista) ubicado en la capital Santiago en el cual dan cabida y apoyo a muchas otras agrupaciones que cultivan el Folclore latinoamericano.

    En el año 2003 se une al conjunto Eric Maluenda, integrante por más de 20 años de otro grupo de gran prestigio Illapu, quien aporta toda su experiencia en dar nuevos bríos al conjunto entrando nuevamente al estudio a grabar una nueva producción.

    Lamentablemente Eric Maluenda falleció en octubre de 2005 luego de una larga afección cardiaca. No por esto Arak Pacha dejó su trabajo, acaban de lanzar el año 2006 su nuevo disco, el legado dejado por Eric, el album lleva por nombre “Inmortal”.



    ----------------------------------------------------------------------

    Un par de temas de su repertorio:

    Julián
    La rueda
    Adelita

    ----------------------------------------------------------------------

    Discografía:

    Arak Pacha (1984)



    Por los Senderos del Indio (1987)



    Urusa Purk’iwa (1989)


  23. #48

    Default Los ultimos estertores del rock chileno

    Amapola



    Amapola fue, posiblemente, la gran esperanza musical de los Ochenta. Cultores de un rock progresivo de gran calidad, este grupo se encontro situado en la misma encrucijada infraestructural y de difusion que afecto a todo el rock durante esa decada.

    El grupo se disolvio en 1986, producto del autoritario comportamiento de Vera y del vacio que el mercado y la prensa tejieron en torno al rock clasico, que se oponia al pop precisamente por su mayor envergadura artistica y fundacional. Amapola era una fuerza musical impresionante, sus conciertos eras una clase de ejecucion y tecnica. Personalmente me brindaron mas placer que ningun otro grupo, y estaban al nivel de un grupo internacional, de no mediar las categorias tecnologicas y maketeras del resto del mundo.

    Amapola fue una ilusion que se desmorono del mismo modo que todo el conglomerado rockero nacional: silenciosa y anonimamente. Sus temas y suites reverberan con la misma categoria y clase con que fueron ejecutadas hace años atras . Como para recriminar a medio mundo por tales desperdicios de nuestra musica popular.

    (Fabio Salas - Utopía. Antología lírica del rock chileno , pag. 82)

    ----------------------------------------------------------------------



    Eran los dias de la dictadura en Chile, eran los dias en que habia que pedir permiso a la Intendencia Metropolitana para poder tocar en un concierto. Eran los dias en que te revisaban las letras, y los antecedentes personales y familiares de cada integrante de las bandas que giraban en este restrictiva escena nacional. Era la decada de los 80, a comienzos de ella para ser más exactos.

    En este escenario nace Amapola que con su formación clásica ( Eugenio Pineida, en bateria, Guillermo Diaz en bajo, Luis Alvarez en guitarra, y Patricio Vera en guitarra, voz, y composición ), se dedicó a cultivar un género musical que en ese entonces se encontraba, a nivel mundial, dando sus últimos estertores ; el Rock Progresivo. Mientras el Punk pateaba el trasero del rock progresivo por un lado y por otro lado se preparaba el mundo para resistir el embate de la NWOBHM, o La Nueva Ola del Heavy Metal Britanico, Amapola en Chile se largaba compoiciones de hasta 15 minutos, basadas en temáticas espirituales provenientes de la práctica del Tantra Yoga, cuya influencia estaba presente en la vida de todos y cada uno de los integrantes de la banda.

    Hubo una producción discográfica, que nunca vió la luz, y que fue producida por el heroico sello Raices Latinoamericanas que no pudo con las adversas condiciones del medio en ese entonces. Este disco contenia el repertorio clásico de la banda y capturaba a la agrupación en el peak de su creatividad y convivencia humana. Con posterioridad y con otro line-up ( Sergio Heredia en bateria, y Ricardo Pezoa en Bajo ) Amapola grabó un Album llamado "Rock Chileno", Este disco fue editado y distribuido por StarSound en 1986, con una resonancia mas bien pequeña y que reflejaba lo que bien podria llamarse el canto del cisne para esta agrupación ya que al poco tiempo Vera se quedó solo. Algunas presentaciones en los escasos eventos masivos de la época, y un pequeño grupo de seguidores capitalinos marcaron el impacto de esta agrupación en el pantano en que se encontraba el rock nacional en esos años oscuros. Habia llegado el tiempo de los Prisioneros.

    Luis Alvarez

    ----------------------------------------------------------------------

    Algunas canciones:

    Romance de los 80

    ----------------------------------------------------------------------

    Discografia:

    Rock Chileno (1986)


  24. #49

    Default Sol & Medianoche - el canto del cisne

    Sol & Medianoche



    La singular mezcla entre el rock duro y los sonidos étnicos se dieron por primera vez en Sol y Medianoche. La banda partió haciendo rock sinfónico a comienzos de los '80 y tras la incorporación de la cantante Soledad Domínguez tradujo las canciones de Violeta Parra a sus códigos, en una experiencia que encontró una significativa acogida, abrió puertas para otras expresiones rockeras y se enfrentó a la censura oficial, por las evidentes asociaciones ideológicas que despertaban las letras de la fallecida folclorista. Liderados por Jorge Soto, la banda ha tenido cuatro épocas de trabajo, la última hasta la actualidad aunque con la ausencia del líder. Sus versiones de temas como "Casamiento de negros" o "Corazón maldito" les brindaron en sus comienzos una inusual difusión mediática, conviertiendo a esta banda en una de las principales expresiones del rock chileno pre Prisioneros

    Sol & Medianoche

    El grupo musical "Sol y Medianoche", surge en 1982, de la fusión entre una banda de Rock Sinfónico llamada Sol de Medianoche integrada por los músicos Jorge Soto en teclados y Tito Pezoa en guitarra, entre otros, y la solista – Sol Domínguez – que proviene del grupo "En Busca del Tiempo Perdido".

    A principios de 1982 firman su primer contrato con la compañía discográfica Sello Cardenal, y nace su primera producción musical llamada "MADRETIERRA", en este CD se encuentran temas de nuestra Violeta Parra, tales como "Casamiento de Negros", "Mi Abuela Bailó Cirilla", y otros composiciones creadas por Jorge Soto como "Hermanos", "Turrón de Amor", "Madre Tierra", nombre que se le asigno finalmente a esta producción, y "La Llave", una creación de la solista del grupo, Sol Domínguez.

    Este estilo impuesto en nuestro mercado por Sol y Medianoche, en tiempos de mucha restricción con la música de nuestra tierra, y con nuestros artistas, fue rápidamente aceptada por nuestra juventud de aquella época, conquistando desde luego, también a las generaciones mayores.

    Las radioemisoras que osaban difundir música chilena, y otras descolgadas de la opresión del momento, hicieron que Sol y Medianoche con esta producción alcanzara los primeros lugares de los rankings. La televisión también mostró su interés en este innovador estilo, y motivo a los ejecutivos y productores del canal de Televisión de la Universidad de Chile, quienes invitaron a Sol y Medianoche, a formar parte estable del mejor programa de chilenos y para chilenos, "CHILENAZO", conducido por don Jorge Rencoret.

    De esa forma, el grupo liderado por Sol Domínguez y Jorge Soto, se abrió paso en los escenarios más importantes de nuestro país, recorriendo Chile entero, mostrando su arte y el nuevo estilo de nuestra música. La compañía discográfica Emi Odeón, muy interesada en la proyección de este grupo, termino por comprar al sello Cardenal todos los derechos de la primera producción, convirtiéndose así, en artistas de EMI.

    El Festival de Viña del Mar quiso tenerlos en el escenario de la Quinta Vergara, gestión que no prosperó por motivos que nunca dieron los organizadores del certámen, toda vez que los honorarios del grupo para ese evento eran los mismos que se manejaban en otros festivales del país. Durante 1983, en el Galpón de los Leones, doña Maitén Montenegro, propietaria y productora del recinto, incentiva e invita al grupo a que realice su primera producción en vivo, en el que también incluyeron obras de nuestra Violeta Parra, temas como, Arranca Arranca, Corazón Maldito, El Martillo de Víctor Jara, y creaciones de Sol Domínguez y Jorge Soto.

    Esta nueva producción denominada simplemente SOL Y MEDIANOCHE, vuelve a tener los mismos resultados del primero, la suerte estaba echada, ya había nacido nuestro SOL Y MEDIANOCHE, para quedarse, y para siempre.

    Este golpe a la cátedra, inspira al grupo, en especial a su solista Sol Domínguez, a componer e investigar más profundamente nuestras raíces, especialmente con la raza mapuche. Sol se radica por unos meses en el sur de Chile, y convive con una comunidad Mapuche, quienes la aceptan después de varios ritos y consejos, Sol es autorizada espiritualmente, para usar las tradicionales joyas e indumentarias de los Mapuches. De esta forma Sol Domínguez, adopta un particular estilo en sus presentaciones, usando toda la indumentaria mapuche, con sus pies descalzos, con su trarilonco y un trapelacucha, los que han sido hasta hoy su indumentaria de actuación. De esta vivencia con nuestros mapuches, Sol Domínguez inspiradísima compone su obra que a la postre seria otro éxito, "ALMA MAPUCHE".

    A fines de 1985 sale al mercado la tercera producción "QUERIDA MAMA", con el mismo resultado de las producciones anteriores. Esta mezcla de folclore con rock y estilos de sonidos e indumentarias Mapuches, se convertía en figura de la música de los jóvenes. Su vocalista y compositora Sol Domínguez (aquella mujer de pelo y ojos claros que contradecían su vestimenta típica Mapuche, sus pies descalzos y ese apasionado sentimiento por defender la cultura y las tradiciones), junto con su director, compositor y talentoso músico, Jorge Soto, junto al resto de la banda, Nelson Olguín y Tito Pezoa, se instalan en el alma de la música rock chilena.

    América Paz se llamó la siguiente producción del grupo, (nombre que también lleva la hija de ambos, esta última heredó sin ninguna duda el talento de sus padres, por sus venas corre arte puro, la pasión por cantar y componer, y la sensibilidad y maestría en ejecutar, hoy lidera un nuevo grupo llamado DESTERRADOS). América Paz, ha formado parte de Sol y Medianoche siendo la integrante más joven del grupo. En esta producción se encuentran también obras de nuestra Violeta Parra, y creaciones de sus integrantes.

    Entre los años 1985 al 2000, Sol y Medianoche gozaba de una consolidación artística extraordinaria, reconocida por todos los medios de comunicación y prensa, este reconocimiento le significó al grupo presentaciones en la mayoría de programas de la televisión, tales como Sábados Gigantes, Festival de la Una, Éxito, Noche de Gigantes entre otros, y variados escenarios, la mayor parte de los festivales regionales, como, Festival de Combarbalá, La Semana Valdiviana, La Feria Internacional de Talca (FITAL), Concepción, Linares, Curico, Temuco, Villarrica, etc. y conciertos a lo largo de todo el territorio nacional, acompañado por cierto, con el mejor sistema de sonido e iluminación del momento, lo que permitía competir con todos los mega eventos que comenzaron en nuestro país a partir de los años 90, en teatros, locales nocturnos, y en especial en las universidades, estos últimos fueron siempre los más leales a la música de SOL Y MEDIANOCHE.

    En agosto el presente año 2007, la compañía discográfica decide la reedición del catálogo EMI, en el cual recopilan los mayores éxitos de la carrera del grupo, canciones de Violeta Parra y Víctor Jara, como "Casamiento de Negros", "La Cocinerita", "El Martillo", "Alma Mapuche", "Canto de Esperanza"" y "La Llave", además de composiciones de Jorge Soto y de Sol Domínguez, que EMI denominan "33º30´ Latitud Sur"., que fue uno de las producciones más características del grupo, grabada en los 80, y que hoy vuelve al mercado nacional. Esta colección se denomina "BICENTERARIO".



    ----------------------------------------------------------------------

    Un par de canciones clasicas:

    Casamiento de Negros
    Arranca Arranca

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    Discografia (incompleta):

    33°30'' Latitud Sur (1984)



    Sol y Medianoche en Vivo (1984)

    Last edited by Atila; 22-11-08 at 05:08 AM.

  25. #50
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    Atila, el último archivo de Sol y medianoche está enlazado a tu web.
    One-percenter.

    http://www.rpg-7.com

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