• La música en el cine II




    ¿Qué género cinematográfico originó un único estilo musical -una identidad sonora no comparable con otra?… Estilo sonoro que es propio del género y no puede ser usado por algún otro...



    Il buono, il bruto, il cattivo, 1966.


    … El Spaghetti western.

    Sergio Leone, buscando revolucionar la narración del western norteamericano, fue tumbando cada uno de los estereotipos de este género para -a partir de ahí- reescribir el lenguaje.

    Así, empezó con la narración en imágenes: el actor que siempre fue el bueno ahora era el villano (Henry Fonda en Once upon a time in the west, 1968); revolucionó el cuadro: tomas arriesgadas, extraordinarias: primerísimos primer plano y planos detalle (en CinemaScope) enmarcando los momentos dramáticos; diálogos mucho mejor tabajados: escasos, pero contundentes; vestimenta inusual...

    Sin embargo, desarrollar las nuevas formas de expresión en planos, decorado o montaje no bastaba para sugerir la monumentalidad del espacio, además de que era necesario construir la música que soportara los cambios hechos en la narración.

    Trabajó entonces con Ennio Morricone en la creación de una banda sonora compuesta en su mayoría por percusiones, bajo y armónica. Una música que no sólo sugería el espacio sino el contexto fuera de cuadro, que representaba un diálogo mismo y la esencia del antihéroe.

    Dejaron atrás la melodiosa canción del cowboy y aportaron al cine una renovación absoluta del género; nació entonces el Spaghetti western.




    Leitmotiv: el legado de la ópera al cine.

    Uno de los recursos mayormente explorados por la cinematografía es el leitmotiv: se trata de un motivo que se repite: una imagen, una frase, una palabra... creando así una asociación con alguna situación o algún personaje.

    Puede tratarse también de un leitmotiv musical: un tema recurrente que identifica a algún personaje, o bien un tema usado como hilo conductor en toda la cinta. Quién no recuerda el aviso del acecho del tiburón en Jaws (Steven Spielberg, 1975) o el tema As time goes by, de Herman Hupfeld, en Casablanca (Michael Curtis, 1942).

    Lo que sigue es una creación de Bernard Herrmann (genialísimo director de música para cine que merecería varios artículos completos) como tema del personaje principal en la película Twisted Nerve (Roy Boulting, 1968) -retomado por Tarantino para un personaje en Kill Bill Vol. 1.



    Siguiendo con el uso del leitmotiv en el cine, en La misión (Roland Joffé, 1986) se maneja de manera eficaz este recurso:

    En la cinta, el Padre Gabriel (Jeremy Irons) pretende la evangelización de los guaraníes en Sudamérica. Rodrigo Mendoza (Robert De Niro), un tratante de esclavos que comete un fratricidio, busca el perdón acercándose a los jesuitas, liderados por el Padre Gabriel.

    La banda sonora, a cargo de Ennio Morricone, explora el uso del recurso de formas distintas.

    Vemos en esta escena no sólo la primera aparición del tema que personificará al Padre, sino la ejecución del tema simbólico por el propio personaje:




    En esta otra escena se escuchan los coros (tomemos en cuenta que el significado simbólico del coro es la formación y unión de un grupo, una expresión colectiva: un pueblo, soldados…), aunque pondera el oboe del Padre Gabriel: su leitmotiv guía el canto colectivo.

    Si "vemos" la música como narración, podemos interpretar la historia, de manera independiente de la imagen:





    Distintas formas de construir la música para una cinta

    La composición de la banda sonora en una película puede tener diferentes procesos, esto dependerá principalmente de la técnica o manera de trabajar de cada creativo.

    Emir Kusturica, por ejemplo, habla de un guión musical y uno literario. Ha dicho que la estructura de sus películas es la música. Es decir, crea primero la banda sonora de la cinta, y sobre ese esqueleto el tratamiento del tema, la historia.

    Vamos a puntualizar dos ejemplos donde la estructura se desarrolla de forma singular.

    Veamos el proceso de creación de la música para la cinta Alexánder Nevsky (Serguéi Eisenstein, 1938).

    Siendo Serguéi Eisenstein un revolucionario del montaje, pionero del simbolismo cinematográfico, no era de extrañar que trabajara con otro revolucionario, éste de la música en el cine: Serguéi Prokófiev.

    En esta batalla épica, Prokófiev usa un discurso alternativo muy sofisticado: va construyendo compás por compás para cada uno de los fotogramas…




    Tomaba primero el fotograma; luego silueteaba la imagen de cada cuadro; esa silueta le marcaba el movimiento; y por último formaba una alineación de líneas geométricas que le soportaban los ritmos.

    Imagen plana: música plana; imagen inquietante, imponente: la música crece... Tensa, pero controlada, luego se acelera y es rítmica. Una batalla representada por música.





    Como sabemos, Mozart muere sin terminar la partitura completa de La Misa de Réquiem.

    En la cinta biográfica Amadeus (Milos Forman, 1984), Mozart le dicta a una nada justa representación de Antonio Salieri la parte del Confutatis; la escena es apoyada con la música de fondo -precisa, puntual.

    Es significativo que el único elemento propio de la cinematografía, el montaje o edición, haga gala en esta escena clímax: por un lado la composición del Réquiem por Mozart desde su lecho de muerte y por otro el regreso de su esposa Constanze -luego de haberlo abandonado.



    Con una narración paralela, es decir: rigurosa simultaneidad, cine y música hacen una compenetración perfecta.

    Ambas artes espléndidas.



    La música en el cine I
    Comments 1 Comment
    1. orkcloud's Avatar
      orkcloud -
      Tomaba primero el fotograma; luego silueteaba la imagen de cada cuadro; esa silueta le marcaba el movimiento; y por último formaba una alineación de líneas geométricas que le soportaban los ritmos.
      que interesante, creo que no lo había entendido del todo la primera vez que lo leí. Tienes por ahí más información sobre esto? Por ejemplo, de dónde salió la imagen esta de los fotogramas?

      saludos
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